La caza del elefante

Por mas que intento comprenderlo, no puedo. No se como intentar meterme en la mente de cada una de las personas para las que matar significa un triunfo.
¿Que daño hace un elefante? Pero a la vez, ¿qué daño nos hace cualquier otro animal?

El ser humano es depredador por naturaleza, mata para poder comer... lo que no entiendo es por qué llegó un momento en el que la matanza se convirtió en un hobbie, en una diversión, en pura crueldad por parte del hombre.

La imagen nos muestra la que esta semana es la gran noticia, el rey estaba en Botswana de caza. Al parecer esta imagen no es de la semana pasada, sino de mucho antes, de hace unos años. Pero aquí la tenemos. Dos hombres, entre ellos nuestro Rey, con su triunfo detrás. ¡Que valientes! Han podido matar a un elefante y lo muestran detrás como trofeo. Y esta imagen nos daña a todos. No creo que seamos muy capaces de sostener la mirada frente a ese ojo perdido del elefante, frente a la mirada de un ser que ya no tiene vida, con su trompa retorcida frente a ese árbol. Ésta imagen, no me parece bella, me remueve por dentro, me da pena, nos debe dar rabia que el señor que representa a nuestro país regocije su triunfo frente a este pobre animal, que no le hizo absolutamente nada, una matanza, que hemos pagado todos, todos pagamos la muerte de este animal para que un solo hombre sintiese el triunfo en sus venas.

Pero que voy a decir que no sepamos ya. Vivimos en un país donde el yerno nos roba, el rey mata animales con nuestro dinero y su nieto, sin la edad suficiente para hacerlo, también va de caza.

Y yo lo único que me pregunto es si esto cambiará en algún momento o son solo pequeñas fracciones de una vida que pagamos pero no conocemos. ¿Abdicará en rey? ¿Cambiarán las cosas? Y si no lo hacen, ¿Cuánto vamos a esperar los españoles para ir a la cacería de la monarquía?

Midnight in Paris

No he podido evitar el tener que escribirlo, porque cuando una película como ésta te remueve por dentro, tienes que escribirlo.

París, años 20 y la magia que eso entraña define perfectamente lo que quiere el personaje de la maravillosa película de Woody Allen, Midnigh in París. Un protagonista, que para empezar, quiere ser escritor, y cualquiera que adore escribir se impregna de la magia de París.

La película deja la reflexión de todos aquellos a los que alguna vez por nuestra cabeza se nos a pasado aquello de ¿y si hubiese vivido en otra época? Para todos aquellos que se niegan interruptiblemente a vivir de la forma en la que su época a predispuesto que se viva y quieren por todos los medios soñar, con que hay ahí fuera existe alguien que piense como tú, alguien que no esté dispuesto a seguir los roles del siglo XXI y prefiera vivir de una forma mucho mas mágica.

Que sí, que los SMS están muy bien, y poder llamarte cuando quieras por el teléfono móvil pero, ¿no es mas bonito comunicarse con una carta? Desde luego te da mucha mas cobertura que un mensaje de texto... No se, supongo que no deberíamos olvidarnos de que es otra forma de comunicarse, y así ocurre con  muchas cosas.

Por alguna extraña razón a veces hubiésemos preferido vivir en otra época y a su vez los de esa época prefieren otra distinta y así ocurre con todo.

Lo mejor, descubrir que independientemente de la época en qué vivimos, la época en la que soñamos con vivir, no importa el tiempo ni el lugar, importa la gente que te rodea, importa rodearte de gente que te haga reír constantemente para no olvidar nunca que tu mundo en ese año es maravilloso. Importa encontrar en un preciso instante lo que buscas en otra época, porque seguramente exista en la tuya.

Con todo ello ved la película porque es magnífica y si lográis sentiros identificados con el protagonista será genial, porque os llevará a soñar con otro mundo que puede o no, ser mejor que el nuestro.

Mientras tanto yo, seguiré disfrutando de mi tiempo, pero seguiré negándome a vivir ciertas cosas a la manera predispuesta del siglo XXI, porque ni me parece mágico, ni bonito, ni me merece la pena vivirlas. Y no se si las viviré a mi manera o no, pero no voy a rendirme ni a dejar de soñar con que puedo vivir las cosas de otro modo que no sea el predispuesto.

Me hubiese encantado haber sido la actriz de esa película. me hubiese encantado ser ella para poder sentirme por un momento sumergida en la magia de los años 20 de París, para poder pasear por las calles parisinas y olvidarme por un momento de que no es real.

Sólo sé que estoy condenada a enamorarme de París en cuanto pise esa ciudad.

Midnight in Paris, Woody Allen, Vedla

El séptimo arte

 Me gustaría poder considerar como tercera exposición a comentar una relacionada con el séptimo arte. 

Poco puedo teorizar acerca de él, pero considero que al igual que el resto de artes puede ser expuesto. Podríamos considerar hasta una proyección comercial una exposición de cine, aun así el objeto de esta entrada son proyecciones fuera de cartelera. 

He podido asistir en varias ocasiones a las que realiza el club de cine Pessic en mi pueblo. De especial mención fue el placer de poder ver en excelente calidad, versión original y una (casi) gran pantalla la gran Pulp Fiction. La amo. Soy fan de Tarantino y fan de Uma, por lo que estoy obligada a amar este largo.

Pero de largos no iba este asunto. Pretendía hablar de una proyección mucho más humilde de este pasado octubre en Gata de Gorgos, en la que un amigo-conocido, Sergi Monfort (conocido como Thirty) exponía alguno de sus cortometrajes (como director y actor), que ha ido gravando por placer con el tiempo. Se realizaban varias a lo largo de un fin de semana en el que en la localidad la asociación de comerciante realiza la llamada fira al carrer  a la que se suelen añadir varias actividades de ocio y artísticas para añadir un reclamo más para los posibles visitantes.

No soy quien para juzgar la calidad artística de su trabajo pero opino que puede tener futuro, sobre todo si sigue trabajando con la ilusión que lo hace.

Se realizó en una pequeña sala con un proyector de cuestionable calidad.

En esta proyección pudimos ver Un susto de muerte, No es una broma (primer premio de la tercera edición del taller de cine del FEPAD), Árbolex, Hikikomori y 5 dias de insomnia.

Aunque de diferentes temáticas suele incluir en ellos algún tipo de crítica o sentido más allá de la ficción.

Cómo cuenta él mismo, "Un susto de muerte relata la breve historia de un anónimo personaje acosado siempre por otro tipo que siempre tratará de darle sustos de la forma más absurda posible". De tono gracioso y absurdo a la vez que simpático puede ser una reflexión de como la juventud se está volviendo cada vez menos impresionable al estar expuesto diariamente gracias a varios medios (desde los noticiarios de televisión hasta el cine) a imágenes algo fuertes.

Con No es una broma se ejerce una denuncia contra el consumo de drogas, especialmente entre adolescentes. En personaje del "payaso" me gusta especialmente, ya que siempre me han parecido más terroríficos (del estilo degradado y desagradable de los personajes de Balada Triste de Trompeta) que divertidos. La frase final "No seas payaso, la droga no es una broma" justifica perfectamente la figura del personaje en la historia. 

Mejor relatado por él: "Árbolex narra (si se le puede llamar narrar) la historia de un adolescente que se comunica con cartelillos (Sergi Monfort), a cargo de un coronel con la barba pintada (Sergi Monfort), cuyo jefe es una planta (Sr. Clorofila). Aquí empieza una historia con un humor surrealista, todo un genocidio neuronal." 

Con poco sentido más allá de lo experimental y la diversión por la creación.De un humor más surrealista que absurdo es el corto que más incompleto me parece o bien me da la sensación de que sobra la historia del Coronel Clorofila. 

Con Hikikomori trata la fenómeno sociológico japones que consiste en el recluimento domestico de jóvenes que se apartan de todo contacto social. Relacionado con la agorafobia y con las adicciones derivadas de programas de Internet es un fenómeno real documentado que Thirty intenta mostrar y denunciar en este cortometraje. 

Cinco dias de insomnia relata la historia de un joven ajetreado falto de tiempo. Es un trabajo un poco más maduro en el que parece plasmar el agobio por el estudio y la falta de tiempo social que suele empezar con el baxiller (y se magnifica, en el caso de algunas carreras, en la universidad).

Eso es lo que abarcó la exposición. A pesar de haberlos visto con anterioridad siempre da gusto el asistir a una proyección "de mayores dimensiones". Personalmente me faltó que incluyese su Fobias, historia paranoica de largos monólogos de mi gusto.

Para los que no se atreven a cumplir sus sueños, como el de ser director, Querer es Poder. 

y... Hay algo más allá del cine comercial.

Land Art

Como hemos visto en clase hace un par de días, el Land Art es un tipo de arte contemporáneo que utiliza los propios recursos y materiales de la naturaleza para crear sus propias obras de arte. Es algo así como el Body Art de la naturaleza.

El Land Art se relaciona con la "escultura" y con el entorno dando lugar a un paisaje artificial.

Su finalidad es provocar en el espectador sensaciones nuevas cuando se enfrente al paisaje y que se de cuenta de su relación con la tierra y la naturaleza. También sirve para llamar la atención y poner de manifiesto el escaso cuidado que presenta el hombre sobre la naturaleza y los deteriores y cambios que en ella se están produciendo.

El Land Art, trabaja cambiando la tierra de un lugar a otro, con piedras de diferentes tamaños colocándolas en determinadas posiciones, con pisadas humanas o incluso tapando parte de la naturaleza con telas; es un arte muy variado y creativo.

Aquí os dejo algunos ejemplos de Land Art, espero algún día ver un con mis propios ojos y poder retratarlo.

Land Art de Christo and Jeanne- Claude basado en el uso de telas que manifiestan el impacto provocado por el hombre

Land Art de Robert Morris a base de espejos, para provocar sensaciones en el espacio donde lo ubica

Otros

Land Art de Robert Smithson, muelle en espiral

Descubrí el Land Art tras visitar la exposición de Robert Morris (Sección Earthworks) aunque curiosamente dos días después lo vimos en clase. Me pareció muy curioso y decidí dedicarle su propia entrada.

Melque

Hace un mes fui a visitar a una amiga, estudiante de arquitectura en Toledo, y participante en la exposición de la que voy a hablar.
Primero una pequeña introducción, hace un año el artista de esta muestra llevo a la escuela de arquitectura de Toledo un carro de la compra lleno de chapas metalicas y los alumnos de la universidad crearon unos supuestos carteles para exponer una expo mediante bocetos. Gracias a este trabajo el autor consiguió una expo en el sitio Histórico SANTA MARÍA DE MELQUE. Varios alumnos de la universidad trabajaron con el, fueron a su taller e hicieron "limpieza" del material que a el ya no le servia, lo llevaron a Melque e interpretaron la visión del artista.
Toda la muestra esta planteada como un fluido que va desde el taller hasta la pieza final.

FOTOS DE LA MUESTRA




Las obras de arte, creadas con restos del taller se encuentra situadas en ese complejo creando una bonita contraposición. Algunas obras se sitúan de manera vertical en las zonas más grandes que existen dentro del complejo y otras por su falta de soporte se sitúan en la pared.
Lo más interesante de esta muestra es que cuando se desmonte los materiales se colocaran en una especie de contenedores que se llevaran a una nueva expo en Toledo.
Aquí podemos ver estos contenedores o carcasas.
http://javierperezaranda.wordpress.com/2011/11/16/carcasas/

Por último el catálogo de la muestra y un video de toda la historia del proceso creativo, creo que es un artista bastante interesante, diferente de los que hemos visto durante el curso pero mucho más actual y más acorde con nuestro tiempo.

http://javierperezaranda.wordpress.com/2011/10/26/melque/

Museo del Bargello

En esta entrada voy a mostrar otra manera de exponer el arte y que para mi es bastante acertada, encuadrada en un lugar histórico que nos hace viajar en el tiempo y facilita que nos imaginemos como estaría colocada la obra alejada de museos contemporáneos que sacan a la obra de arte de su contexto.



Las obras de menos importancia estaban colocadas en las galerias porticadas superior e inferior de este edificio cuadrado, un antiguo palacio del S. XIII. Estas obras eran las que más lucían en la exposición por estar en su contexto. Los obras más importantes se encontraban en el cuerpo más grande del palacio, entrando por debajo de la escalera de piedra.

Dentro las obras estaban colocadas sobre peanas y con un espacio considerable a su alrededor para facilitar su visión pero alejadas de un espacio arquitectónico apropiado, esta sala principal era muy simple, blanca y con bóvedas. La sencillez de esta sala daba importancia a las figuras, resaltando especialmente las figuras de bronce de Cellini por su color oscuro.

No podia faltar en este museo una obra de uno de los escultores más importante florentinos y del Renacimiento Italiano que se encontraba situada en encentro de la exposición, el Baco de Miguel Angel.



En general la contraposición de mantener figuras en la arquitectura original e introducir otras en salas más limpias y sencillas suele obtener un resultado bastante acertado y permite ver arquitectura y arte contemporáneas y no es un museo moderno donde la diferencia temporal es de siglos.

Dibujos

Ayer tuve la oportunidad de pasarme por el IVAM y visitar la exposición “El dibujo como pensamiento” de Robert Morris. La verdad es que la exposición es muy variada e interesante por ello os la recomiendo, estará expuesta hasta el 8 de enero y es gratuita. Cuando he salido me han dado ganas de dibujar, lo que hacía mucho tiempo que no me pasaba.

La exposición se encuentra en el segundo piso en una galería que ocupa dos plantas. En total se exponen unos 150 dibujos que datan desde 1955 hasta la actualidad, divididos en 10 secciones. Los dibujos no se pueden dividir exactamente según fechas concretas pues cuadros se agrupan según la temática o la técnica en diversas secciones.

Las diferencias entre una sección y otra se debe a que la carrera de Morris abarca desde la performance hasta obras hechas con tierra e instalaciones a gran escala, pasando por la pintura, la escultura, el arte conceptual y el arte minimalista.

En las secciones de Minimalismo, Earthworks o Rubbings, Morris hace un uso del dibujo relacionado con el estudio de las figuras humanas, de las estructuras teatrales (pues escribió algún guión) o de la tierra. En esta sección, se exponen dibujos de tamaño medio y al igual que muchos otros, enmarcados por un marco de madera de tonalidad muy clara. Son obras que se podrían identificar con los dibujos propios de un arquitecto o ingeniero. Por un lado utiliza plantas, alzados y perfiles para describir estructuras y por otro, realiza dibujos sobre papel cuadriculado, que son estudios de la tierra para implantar estructuras u obras de arte.

A diferencia de las secciones anteriores, más técnicas, las que se exponen a continuación son más filosóficas. Son dibujos mediante los que el artista explica sus sentimientos y pensamientos sobre temas morales e históricos. Lo que permite entender el título de la exposición. Estos dibujos están realizados con grafito o tinta sobre papel de acetato.

Bajo el nombre Carcinoma se encuentran una serie de dibujos agrupados según lo que tratan de transmitir, en los que Morris trata de presentar la vista de los corredores carcelarios desde el punto de vista del guardia que los vigila. En ocasiones, muestra su opinión en dibujos en los que llama a abandonar el escepticismo y a ser melancólicos.

He de destacar que estos cuadros se encontraban en un rincón de la sala, tanto que casi se podía considerar un espacio aparte.

Otra sección muy llamativa es la de Los desastres de la Guerra y Diluvios/Tormenta de fuego. En esta primera sección, encontramos las obras que parecen surgir de la composición de varias, siendo las de mayor tamaño de la exposición, situadas en un espacio amplio a doble altura. Los dibujos fueron realizados con los ojos vendados y están inspirados en los grabados de Goya. En ellos se refleja la luz y la oscuridad provocadas por la guerra. Por otro lado, los dibujos de Diluvio se inspiran en el lanzamiento de la bomba atómica de Hiroshima, reflejando el sentimiento de desolación del artista. En esta sección los dibujos se exponen sin marco.

Otra sección algo sobre cogedora es la que lleva el título de Blind Time. En esta sección se representan estados morales. En los dibujos hay escritos cortas frases filosóficas que ayudan al artista a expresar su sentimiento sobre la tortura de prisioneros en Guantánamo.

Por último, se encuentra la sección más actual, una serie de dibujos de Laberintos, en los que se reflejan referencias a la arqueología y a la mitología. Esta fue una sección que no me esperaba. Consiste en unos dibujos más o menos detallados de la construcción y el diseño de algunos laberintos, que tenían multitud de formas. Estos dibujos estaban realizados en tinta o en grafito sobre papel de calco.

Laberinto de Morris construido en Pontevedra

Réplica de un laberinto diseñado por Robert Morris en El Guggenheim

En el piso de arriba, se encontraba la sección Los fantasmas de Goya, en la que se exponían dibujos de pequeño tamaño que resultaban de la unión de varias composiciones. Incluían parte de fotografías, dibujos del artista, grabados, acontecimientos contemporáneos y algunas imágenes que reflejaban los fantasmas de Goya.

Por último, me despido con una frase del artista. Espero que os haya gustado y que os animéis a visitar la exposición.

"Yo soy mis dibujos, para bien o para mal.

quienes somos, estoy seguro, se definirá de oforma muy distinta en el futuro."

Arthouse

La historia es simple. En un pub que suelo frecuentar ocasionalmente cuelgan cuadros de diferentes dimensiones. Muchas veces los había estado mirando y admirando, pero nunca llegó a atraparme uno de verdad hasta que colgaron este: 

A raíz de mi gran fascinación por esta pieza un amigo terminó por regalármela y, al hablarme de la artista, Julia Evans, no tuve otra opción que satisfacer mi curiosidad y visitar su galería.

No tengo fotografías propias del lugar, ya que no fui con afán de documentarlo, simplemente de vivirlo.  

Situada en Gata de Gorgos, Julia Evans es propietaria y fundadora de la galería y escuela de arte ArtHouse. En una galería completamente diáfana y de paredes blancas se exponen colgadas las obras de varios artistas que colaboran en su proyecto de “divulgación del gusto por la pintura”, a demás de sus propias. Anexo a  pude acceder al aula en la que se realizan sus talleres, más amplia, con caballetes desperdigados con pinturas empezadas y acababas y otros lienzos apoyados sobre las paredes, a medias. Pero más que su exposición o su taller lo que me llamó la atención fue una sala de trabajo de reducidas dimensiones en la que se abigarraban montones de cuadros acabados e inacabados de Julia. Alma desordenada y fascinante de artista. 

Otro cuadro que me atrapó de una forma especial fue el siguiente, por la triste y perturbadora mirada del chico. Tengo entendido que es un amigo que posa con bastante frecuencia para ella ya que pude ver varios cuadros en los que aparecía, aunque con diferentes expresiones.

 Tanto como algunas de sus obras, o casi más que la mayoría, me gustó escucharla a ella y conocer su actitud e historia con el arte. Curioso es también lo que nos cuenta en su biografía, con especial estos párrafos que me voy a permitir traducir para terminar con la entrada y que ilustran su ser, que percibí mediante su pintura: 

"Jugué con la fotografía y la iluminación haciendo básicamente lo opuesto de lo que uno haría para hacerse ver a uno mismo bello. Esas fotos fueron una enorme inspiración para mí. Yo quería hacer de mí lo más “fea” que fuese posible, pero creando algo bello mediante esa fealdad usando colores y texturas. Para figurar o afrontar lo que la sociedad percibe como feo y para intentar eliminar esa percepción. Para ver si podemos encontrar belleza en una carne grasienta o en un estirado y magullado rostro."

"Hubo un punto en mi vida en el que decidí que odiaba la pintura y odiaba el arte. Los detalles son irrelevantes pero diré que no cogí un pincel en casi dos años. Con el tiempo mi trabajo me capturó. Me atrapó otra vez porque yo no parecía poder escapar de ello. Unos cuantos años antes de esto un amigo me preguntó por qué era pintora. Fue una pregunta que no supe responder. Eso fue hasta ahora. La respuesta es que no tengo elección. Yo realmente tengo que pintar. Si no estoy segura de que me cazaría, estoy segura que me encontraría pintando en sueños. "

Manos

El Hand Art es una modalidad del Body Art, arte en el que el propio cuerpo humano se convierte en el lienzo. En este caso, son las manos.

Este tipo de arte ha sido con frecuencia utilizado en publicidad, sobre todo en anuncios en los que el objeto requiere de un uso constante de las manos y los dedos: el teléfono móvil.

Aunque también ha sido utilizado en una campaña sanitaria para prevenir infecciones por culpa de una mala higiene en nuestras manos.

Sin embargo, también hay gente que disfruta del Hand Art consiguiendo verdaderas obras de arte.

Catedral de Liverpool

He elegido ésta catedral para mostraros las vistas interiores por lo impetuosa que es. Es una catedral absolutamente enorme, de una altura descomunal. En efecto, consigue lo que en su época conseguía toda catedral gótica, el efecto de  trasladarlos a un lugar divino.

Encontramos grandes vidrieras que hacen que la luz se plasme en toda la estancia. Lo que aquí vemos es una pequeña capilla situada en la parte opuesta a la entrada de la catedral. Podemos ver como las fugas emergen en esa impetuosa vidriera que abajo nos muestra un pequeño retablo.

Esta foto me gusta especialmente, el punto de vista es elevado pues se realizó en la altura que podemos ver a los laterales. Una de las cosa que mas me gusta es  la lámpara negra que cuelga en primer plano, además de los arcos que encontramos a los laterales, que se situaban por toda la catedral. Además fue la estancia que más me gustó de la catedral sin duda alguna.

Lo que os muestro aquí es una de las vidrieras de la catedral de grades dimensiones.

Esta sería la foto que nos indica lo que veríamos a nuestra derecha una vez hemos accedido en la catedral. Me llamó mucho la atención como en la catedral y como podemos observar abajo a la derecha de la foto, existían diversas exposiciones. Además de poder ver la bonita escalera que se disponía a ambos lados de la estancia dejando un arco abajo en la parte central, todo ello conduciéndonos a las diversas estancias de la misma.

Es simple y llanamente la arquitectura existente la que nos provoca la sensación de estar en un lugar inmenso, tener la suerte de sentirte una pequeña hormiga en un lugar dominante, lleno de luz y de esplendor.

No se trata de creer o no creer cuando entras en una Iglesia de éste tipo, te maravilla igualmente la sencillez del lugar, las alturas son enormes pero no es una iglesia recargada de montones de imágenes de santos y retablos sino que transmite la sensación de pureza. Te hace sentir en un lugar ajeno a ti por su tu grandilocuencia y al mismo tiempo su sencillez te acoge.