lunes, 16 de abril de 2012
La caza del elefante
Por mas que intento comprenderlo, no puedo. No se como intentar meterme en la mente de cada una de las personas para las que matar significa un triunfo.
¿Que daño hace un elefante? Pero a la vez, ¿qué daño nos hace cualquier otro animal?
El ser humano es depredador por naturaleza, mata para poder comer... lo que no entiendo es por qué llegó un momento en el que la matanza se convirtió en un hobbie, en una diversión, en pura crueldad por parte del hombre.
La imagen nos muestra la que esta semana es la gran noticia, el rey estaba en Botswana de caza. Al parecer esta imagen no es de la semana pasada, sino de mucho antes, de hace unos años. Pero aquí la tenemos. Dos hombres, entre ellos nuestro Rey, con su triunfo detrás. ¡Que valientes! Han podido matar a un elefante y lo muestran detrás como trofeo. Y esta imagen nos daña a todos. No creo que seamos muy capaces de sostener la mirada frente a ese ojo perdido del elefante, frente a la mirada de un ser que ya no tiene vida, con su trompa retorcida frente a ese árbol. Ésta imagen, no me parece bella, me remueve por dentro, me da pena, nos debe dar rabia que el señor que representa a nuestro país regocije su triunfo frente a este pobre animal, que no le hizo absolutamente nada, una matanza, que hemos pagado todos, todos pagamos la muerte de este animal para que un solo hombre sintiese el triunfo en sus venas.
Pero que voy a decir que no sepamos ya. Vivimos en un país donde el yerno nos roba, el rey mata animales con nuestro dinero y su nieto, sin la edad suficiente para hacerlo, también va de caza.
Y yo lo único que me pregunto es si esto cambiará en algún momento o son solo pequeñas fracciones de una vida que pagamos pero no conocemos. ¿Abdicará en rey? ¿Cambiarán las cosas? Y si no lo hacen, ¿Cuánto vamos a esperar los españoles para ir a la cacería de la monarquía?
miércoles, 21 de diciembre de 2011
Midnight in Paris
No he podido evitar el tener que escribirlo, porque cuando una película como ésta te remueve por dentro, tienes que escribirlo.
París, años 20 y la magia que eso entraña define perfectamente lo que quiere el personaje de la maravillosa película de Woody Allen, Midnigh in París. Un protagonista, que para empezar, quiere ser escritor, y cualquiera que adore escribir se impregna de la magia de París.
La película deja la reflexión de todos aquellos a los que alguna vez por nuestra cabeza se nos a pasado aquello de ¿y si hubiese vivido en otra época? Para todos aquellos que se niegan interruptiblemente a vivir de la forma en la que su época a predispuesto que se viva y quieren por todos los medios soñar, con que hay ahí fuera existe alguien que piense como tú, alguien que no esté dispuesto a seguir los roles del siglo XXI y prefiera vivir de una forma mucho mas mágica.
Que sí, que los SMS están muy bien, y poder llamarte cuando quieras por el teléfono móvil pero, ¿no es mas bonito comunicarse con una carta? Desde luego te da mucha mas cobertura que un mensaje de texto... No se, supongo que no deberíamos olvidarnos de que es otra forma de comunicarse, y así ocurre con muchas cosas.
Por alguna extraña razón a veces hubiésemos preferido vivir en otra época y a su vez los de esa época prefieren otra distinta y así ocurre con todo.
Lo mejor, descubrir que independientemente de la época en qué vivimos, la época en la que soñamos con vivir, no importa el tiempo ni el lugar, importa la gente que te rodea, importa rodearte de gente que te haga reír constantemente para no olvidar nunca que tu mundo en ese año es maravilloso. Importa encontrar en un preciso instante lo que buscas en otra época, porque seguramente exista en la tuya.
Con todo ello ved la película porque es magnífica y si lográis sentiros identificados con el protagonista será genial, porque os llevará a soñar con otro mundo que puede o no, ser mejor que el nuestro.
Mientras tanto yo, seguiré disfrutando de mi tiempo, pero seguiré negándome a vivir ciertas cosas a la manera predispuesta del siglo XXI, porque ni me parece mágico, ni bonito, ni me merece la pena vivirlas. Y no se si las viviré a mi manera o no, pero no voy a rendirme ni a dejar de soñar con que puedo vivir las cosas de otro modo que no sea el predispuesto.
Me hubiese encantado haber sido la actriz de esa película. me hubiese encantado ser ella para poder sentirme por un momento sumergida en la magia de los años 20 de París, para poder pasear por las calles parisinas y olvidarme por un momento de que no es real.
Sólo sé que estoy condenada a enamorarme de París en cuanto pise esa ciudad.
Midnight in Paris, Woody Allen, Vedla
París, años 20 y la magia que eso entraña define perfectamente lo que quiere el personaje de la maravillosa película de Woody Allen, Midnigh in París. Un protagonista, que para empezar, quiere ser escritor, y cualquiera que adore escribir se impregna de la magia de París.
La película deja la reflexión de todos aquellos a los que alguna vez por nuestra cabeza se nos a pasado aquello de ¿y si hubiese vivido en otra época? Para todos aquellos que se niegan interruptiblemente a vivir de la forma en la que su época a predispuesto que se viva y quieren por todos los medios soñar, con que hay ahí fuera existe alguien que piense como tú, alguien que no esté dispuesto a seguir los roles del siglo XXI y prefiera vivir de una forma mucho mas mágica.
Por alguna extraña razón a veces hubiésemos preferido vivir en otra época y a su vez los de esa época prefieren otra distinta y así ocurre con todo.
Lo mejor, descubrir que independientemente de la época en qué vivimos, la época en la que soñamos con vivir, no importa el tiempo ni el lugar, importa la gente que te rodea, importa rodearte de gente que te haga reír constantemente para no olvidar nunca que tu mundo en ese año es maravilloso. Importa encontrar en un preciso instante lo que buscas en otra época, porque seguramente exista en la tuya.
Con todo ello ved la película porque es magnífica y si lográis sentiros identificados con el protagonista será genial, porque os llevará a soñar con otro mundo que puede o no, ser mejor que el nuestro.
Mientras tanto yo, seguiré disfrutando de mi tiempo, pero seguiré negándome a vivir ciertas cosas a la manera predispuesta del siglo XXI, porque ni me parece mágico, ni bonito, ni me merece la pena vivirlas. Y no se si las viviré a mi manera o no, pero no voy a rendirme ni a dejar de soñar con que puedo vivir las cosas de otro modo que no sea el predispuesto.
Me hubiese encantado haber sido la actriz de esa película. me hubiese encantado ser ella para poder sentirme por un momento sumergida en la magia de los años 20 de París, para poder pasear por las calles parisinas y olvidarme por un momento de que no es real.
Sólo sé que estoy condenada a enamorarme de París en cuanto pise esa ciudad.
Midnight in Paris, Woody Allen, Vedla
El séptimo arte
Me gustaría poder
considerar como tercera exposición a comentar una relacionada con el séptimo
arte.
Poco puedo teorizar acerca de él, pero considero que al igual que el resto de artes puede
ser expuesto. Podríamos considerar hasta una proyección comercial una
exposición de cine, aun así el objeto de esta entrada son proyecciones fuera de
cartelera.
He podido asistir en varias ocasiones a las que realiza el club de
cine Pessic en mi pueblo. De
especial mención fue el placer de poder ver en excelente calidad, versión
original y una (casi) gran pantalla la gran Pulp
Fiction. La amo. Soy fan de Tarantino y fan de Uma, por lo que estoy
obligada a amar este largo.
Pero de largos no iba este asunto. Pretendía hablar de una
proyección mucho más humilde de este pasado octubre en Gata de Gorgos, en la
que un amigo-conocido, Sergi Monfort (conocido como Thirty) exponía alguno de
sus cortometrajes (como director y actor), que ha ido gravando por placer con
el tiempo. Se realizaban varias a lo largo de un fin de semana en el que
en la localidad la asociación de comerciante realiza la llamada fira al carrer a la que se suelen añadir varias actividades
de ocio y artísticas para añadir un reclamo más para los posibles visitantes.
No soy quien para juzgar la calidad artística de su trabajo pero
opino que puede tener futuro, sobre todo si sigue trabajando con la ilusión que
lo hace.
Se realizó en una pequeña sala con un proyector de cuestionable
calidad.
En esta proyección pudimos ver Un
susto de muerte, No es una
broma (primer premio de la
tercera edición del taller de cine del FEPAD), Árbolex, Hikikomori y 5 dias de insomnia.
Aunque de diferentes temáticas suele incluir en ellos algún tipo
de crítica o sentido más allá de la ficción.
Cómo cuenta él mismo, "Un susto de muerte relata la breve historia de un anónimo
personaje acosado siempre por otro tipo que siempre tratará de darle sustos de
la forma más absurda posible". De tono gracioso y absurdo a la vez que
simpático puede ser una reflexión de como la juventud se está volviendo cada
vez menos impresionable al estar expuesto diariamente gracias a varios medios
(desde los noticiarios de televisión hasta el cine) a imágenes algo fuertes.
Con No es una
broma se ejerce una denuncia contra el consumo de drogas,
especialmente entre adolescentes. En personaje del "payaso" me gusta
especialmente, ya que siempre me han parecido más terroríficos (del estilo
degradado y desagradable de los personajes de Balada
Triste de Trompeta) que divertidos. La frase final "No seas payaso, la
droga no es una broma" justifica perfectamente la figura del personaje en
la historia.
Mejor relatado por él: "Árbolex narra (si se le
puede llamar narrar) la historia de un adolescente que se comunica con cartelillos
(Sergi Monfort), a cargo de un coronel con la barba pintada (Sergi Monfort),
cuyo jefe es una planta (Sr. Clorofila). Aquí empieza una historia con un humor
surrealista, todo un genocidio neuronal."
Con poco sentido más allá de lo experimental y la diversión por la
creación.De un humor más surrealista que absurdo es el corto que más incompleto
me parece o bien me da la sensación de que sobra la historia del Coronel
Clorofila.
Con Hikikomori trata
la fenómeno sociológico japones que consiste en el recluimento domestico de
jóvenes que se apartan de todo contacto social. Relacionado con la agorafobia y
con las adicciones derivadas de programas de Internet es un
fenómeno real documentado que Thirty intenta mostrar y denunciar en este
cortometraje.
Cinco dias de insomnia relata la
historia de un joven ajetreado falto de tiempo. Es un trabajo un poco más
maduro en el que parece plasmar el agobio por el estudio y la falta de tiempo
social que suele empezar con el baxiller (y se magnifica, en el caso de algunas
carreras, en la universidad).
Eso es lo que abarcó la exposición. A pesar de
haberlos visto con anterioridad siempre da gusto el asistir a una proyección
"de mayores dimensiones". Personalmente me faltó que incluyese su Fobias, historia paranoica de
largos monólogos de mi gusto.
Para los que no se atreven a cumplir sus sueños, como el de ser
director, Querer es Poder.
y... Hay algo más allá del cine comercial.
Land Art
Como hemos visto en clase hace un par de días, el Land Art es un tipo de arte
contemporáneo que utiliza los propios recursos y materiales de la naturaleza
para crear sus propias obras de arte. Es algo así como el Body Art de la
naturaleza.
El Land Art se
relaciona con la "escultura" y con el entorno dando lugar a un paisaje
artificial.
Su finalidad es
provocar en el espectador sensaciones nuevas cuando se enfrente al paisaje y
que se de cuenta de su relación con la tierra y la naturaleza. También sirve
para llamar la atención y poner de manifiesto el escaso cuidado que presenta el
hombre sobre la naturaleza y los deteriores y cambios que en ella se están
produciendo.
El Land Art, trabaja
cambiando la tierra de un lugar a otro, con piedras de diferentes tamaños
colocándolas en determinadas posiciones, con pisadas humanas o incluso tapando parte de la naturaleza con telas; es un arte muy
variado y creativo.
Aquí os dejo algunos
ejemplos de Land Art, espero algún día ver un con mis propios ojos y poder
retratarlo.
Land Art de Christo and Jeanne- Claude basado en el uso de telas que manifiestan el impacto provocado por el hombre
Land Art de Robert Morris a base de espejos, para provocar sensaciones en el espacio donde lo ubica
Otros
Land Art de Robert Smithson, muelle en espiral
Descubrí el Land Art
tras visitar la exposición de Robert Morris (Sección Earthworks) aunque curiosamente dos días después lo vimos en clase. Me pareció
muy curioso y decidí dedicarle su propia entrada.
lunes, 19 de diciembre de 2011
Melque
Hace un mes fui a visitar a una amiga, estudiante de arquitectura en Toledo, y participante en la exposición de la que voy a hablar.
Primero una pequeña introducción, hace un año el artista de esta muestra llevo a la escuela de arquitectura de Toledo un carro de la compra lleno de chapas metalicas y los alumnos de la universidad crearon unos supuestos carteles para exponer una expo mediante bocetos. Gracias a este trabajo el autor consiguió una expo en el sitio Histórico SANTA MARÍA DE MELQUE. Varios alumnos de la universidad trabajaron con el, fueron a su taller e hicieron "limpieza" del material que a el ya no le servia, lo llevaron a Melque e interpretaron la visión del artista.
Toda la muestra esta planteada como un fluido que va desde el taller hasta la pieza final.
FOTOS DE LA MUESTRA
Las obras de arte, creadas con restos del taller se encuentra situadas en ese complejo creando una bonita contraposición. Algunas obras se sitúan de manera vertical en las zonas más grandes que existen dentro del complejo y otras por su falta de soporte se sitúan en la pared.
Lo más interesante de esta muestra es que cuando se desmonte los materiales se colocaran en una especie de contenedores que se llevaran a una nueva expo en Toledo.
Aquí podemos ver estos contenedores o carcasas.
http://javierperezaranda.wordpress.com/2011/11/16/carcasas/
Por último el catálogo de la muestra y un video de toda la historia del proceso creativo, creo que es un artista bastante interesante, diferente de los que hemos visto durante el curso pero mucho más actual y más acorde con nuestro tiempo.
http://javierperezaranda.wordpress.com/2011/10/26/melque/
Museo del Bargello
En esta entrada voy a mostrar otra manera de exponer el arte y que para mi es bastante acertada, encuadrada en un lugar histórico que nos hace viajar en el tiempo y facilita que nos imaginemos como estaría colocada la obra alejada de museos contemporáneos que sacan a la obra de arte de su contexto.
Las obras de menos importancia estaban colocadas en las galerias porticadas superior e inferior de este edificio cuadrado, un antiguo palacio del S. XIII. Estas obras eran las que más lucían en la exposición por estar en su contexto. Los obras más importantes se encontraban en el cuerpo más grande del palacio, entrando por debajo de la escalera de piedra.
Dentro las obras estaban colocadas sobre peanas y con un espacio considerable a su alrededor para facilitar su visión pero alejadas de un espacio arquitectónico apropiado, esta sala principal era muy simple, blanca y con bóvedas. La sencillez de esta sala daba importancia a las figuras, resaltando especialmente las figuras de bronce de Cellini por su color oscuro.
No podia faltar en este museo una obra de uno de los escultores más importante florentinos y del Renacimiento Italiano que se encontraba situada en encentro de la exposición, el Baco de Miguel Angel.
En general la contraposición de mantener figuras en la arquitectura original e introducir otras en salas más limpias y sencillas suele obtener un resultado bastante acertado y permite ver arquitectura y arte contemporáneas y no es un museo moderno donde la diferencia temporal es de siglos.
domingo, 18 de diciembre de 2011
Dibujos
Ayer tuve la oportunidad de pasarme por el IVAM y visitar la
exposición “El dibujo como pensamiento” de Robert Morris. La verdad es que la
exposición es muy variada e interesante por ello os la recomiendo, estará
expuesta hasta el 8 de enero y es gratuita. Cuando he salido me han dado ganas
de dibujar, lo que hacía mucho tiempo que no me pasaba.
La exposición se encuentra en el segundo piso en una galería que ocupa
dos plantas. En total se exponen unos 150 dibujos que datan desde 1955 hasta la
actualidad, divididos en 10 secciones. Los dibujos no se pueden dividir
exactamente según fechas concretas pues cuadros se agrupan según la temática o
la técnica en diversas secciones.
Las diferencias entre una sección y otra se debe a que la carrera de Morris abarca desde la performance hasta obras hechas con tierra e instalaciones a gran escala, pasando por la pintura, la escultura, el arte conceptual y el arte minimalista.
En las secciones de Minimalismo,
Earthworks o Rubbings, Morris hace un uso del dibujo relacionado con el
estudio de las figuras humanas, de las estructuras teatrales (pues escribió
algún guión) o de la tierra. En esta sección, se exponen dibujos de tamaño
medio y al igual que muchos otros, enmarcados por un marco de madera de
tonalidad muy clara. Son obras que se podrían identificar con los dibujos
propios de un arquitecto o ingeniero. Por un lado utiliza plantas, alzados y
perfiles para describir estructuras y por otro, realiza dibujos sobre papel
cuadriculado, que son estudios de la tierra para implantar estructuras u obras
de arte.
A diferencia de las secciones anteriores, más técnicas, las que se
exponen a continuación son más filosóficas. Son dibujos mediante los que el
artista explica sus sentimientos y pensamientos sobre temas morales e
históricos. Lo que permite entender el título de la exposición. Estos dibujos
están realizados con grafito o tinta sobre papel de acetato.
Bajo el nombre Carcinoma
se encuentran una serie de dibujos agrupados según lo que tratan de transmitir,
en los que Morris trata de presentar la vista de los corredores carcelarios
desde el punto de vista del guardia que los vigila. En ocasiones, muestra su
opinión en dibujos en los que llama a abandonar el escepticismo y a ser
melancólicos.
He de destacar que estos cuadros se encontraban en un rincón de la
sala, tanto que casi se podía considerar un espacio aparte.
Otra sección muy llamativa es la de Los desastres de
la Guerra y Diluvios/Tormenta de fuego.
En esta primera sección, encontramos las obras que parecen surgir de la composición
de varias, siendo las de mayor tamaño de la exposición, situadas en un espacio
amplio a doble altura. Los dibujos fueron realizados con los ojos vendados y
están inspirados en los grabados de Goya. En ellos se refleja la luz y la
oscuridad provocadas por la guerra. Por otro lado, los dibujos de Diluvio se
inspiran en el lanzamiento de la bomba atómica de Hiroshima, reflejando el
sentimiento de desolación del artista. En esta sección los dibujos se exponen
sin marco.
Otra sección algo sobre cogedora es la que lleva el
título de Blind Time. En esta sección
se representan estados morales. En los dibujos hay escritos cortas frases
filosóficas que ayudan al artista a expresar su sentimiento sobre la tortura de
prisioneros en Guantánamo.
Por último, se encuentra la sección más actual, una serie de dibujos
de Laberintos, en los que se reflejan
referencias a la arqueología y a la mitología. Esta fue una sección que no me
esperaba. Consiste en unos dibujos más o menos detallados de la construcción y
el diseño de algunos laberintos, que tenían multitud de formas. Estos dibujos
estaban realizados en tinta o en grafito sobre papel de calco.
Laberinto de Morris construido en Pontevedra
Réplica de un laberinto diseñado por Robert Morris en El Guggenheim
En el piso de arriba, se encontraba la sección Los fantasmas de Goya, en la que se exponían dibujos de pequeño
tamaño que resultaban de la unión de varias composiciones. Incluían parte de
fotografías, dibujos del artista, grabados, acontecimientos contemporáneos y
algunas imágenes que reflejaban los fantasmas de Goya.
Por último, me despido con una frase del artista. Espero que os haya gustado y que os animéis a visitar la exposición.
Arthouse
La historia es simple. En un pub que suelo frecuentar
ocasionalmente cuelgan cuadros de diferentes dimensiones. Muchas veces los
había estado mirando y admirando, pero nunca llegó a atraparme uno de verdad
hasta que colgaron este:
A raíz de mi gran fascinación por esta pieza un amigo
terminó por regalármela y, al hablarme de la artista, Julia Evans, no
tuve otra opción que satisfacer mi curiosidad y visitar su galería.
No tengo fotografías propias del lugar, ya que no fui con afán de
documentarlo, simplemente de vivirlo.
Situada en Gata de Gorgos, Julia Evans es propietaria y fundadora de
la galería y escuela de arte ArtHouse. En una galería
completamente diáfana y de paredes blancas se exponen colgadas las obras de
varios artistas que colaboran en su proyecto de “divulgación del gusto por la
pintura”, a demás de sus propias. Anexo a
pude acceder al aula en la que se realizan sus talleres, más amplia, con
caballetes desperdigados con pinturas empezadas y acababas y otros lienzos apoyados
sobre las paredes, a medias. Pero más que su exposición o su taller lo que me
llamó la atención fue una sala de trabajo de reducidas dimensiones en la que se
abigarraban montones de cuadros acabados e inacabados de Julia. Alma
desordenada y fascinante de artista.
Otro cuadro que me atrapó de una forma especial fue el siguiente,
por la triste y perturbadora mirada del chico. Tengo entendido que es un amigo
que posa con bastante frecuencia para ella ya que pude ver varios cuadros en
los que aparecía, aunque con diferentes expresiones.
Tanto como algunas de sus obras, o casi más que la mayoría,
me gustó escucharla a ella y conocer su actitud e historia con el arte. Curioso
es también lo que nos cuenta en su biografía, con especial estos párrafos que me voy a permitir traducir para
terminar con la entrada y que ilustran su ser, que
percibí mediante su pintura:
"Jugué con la fotografía y la iluminación haciendo
básicamente lo opuesto de lo que uno haría para hacerse ver a uno mismo bello.
Esas fotos fueron una enorme inspiración para mí. Yo quería hacer de mí lo más
“fea” que fuese posible, pero creando algo bello mediante esa fealdad usando
colores y texturas. Para figurar o afrontar lo que la sociedad percibe como feo
y para intentar eliminar esa percepción. Para ver si podemos encontrar belleza
en una carne grasienta o en un estirado y magullado rostro."
"Hubo un punto en mi vida en el que decidí que odiaba la
pintura y odiaba el arte. Los detalles son irrelevantes pero diré que no cogí
un pincel en casi dos años. Con el tiempo mi trabajo me capturó. Me atrapó otra
vez porque yo no parecía poder escapar de ello. Unos cuantos años antes de esto
un amigo me preguntó por qué era pintora. Fue una pregunta que no supe
responder. Eso fue hasta ahora. La respuesta es que no tengo elección. Yo
realmente tengo que pintar. Si no estoy segura de que me cazaría, estoy segura
que me encontraría pintando en sueños. "
viernes, 16 de diciembre de 2011
Manos
El Hand Art es una
modalidad del Body Art, arte en el que el propio cuerpo humano se convierte en
el lienzo. En este caso, son las manos.
Este tipo de arte ha
sido con frecuencia utilizado en publicidad, sobre todo en anuncios en los que
el objeto requiere de un uso constante de las manos y los dedos: el teléfono
móvil.
Aunque también ha sido utilizado en una campaña sanitaria para prevenir infecciones por culpa de una mala higiene en nuestras manos.
Sin embargo, también hay gente que disfruta del Hand Art consiguiendo verdaderas obras de arte.
Catedral de Liverpool
Encontramos grandes vidrieras que hacen que la luz se plasme en toda la estancia. Lo que aquí vemos es una pequeña capilla situada en la parte opuesta a la entrada de la catedral. Podemos ver como las fugas emergen en esa impetuosa vidriera que abajo nos muestra un pequeño retablo.
Esta foto me gusta especialmente, el punto de vista es elevado pues se realizó en la altura que podemos ver a los laterales. Una de las cosa que mas me gusta es la lámpara negra que cuelga en primer plano, además de los arcos que encontramos a los laterales, que se situaban por toda la catedral. Además fue la estancia que más me gustó de la catedral sin duda alguna.
Lo que os muestro aquí es una de las vidrieras de la catedral de grades dimensiones.
Esta sería la foto que nos indica lo que veríamos a nuestra derecha una vez hemos accedido en la catedral. Me llamó mucho la atención como en la catedral y como podemos observar abajo a la derecha de la foto, existían diversas exposiciones. Además de poder ver la bonita escalera que se disponía a ambos lados de la estancia dejando un arco abajo en la parte central, todo ello conduciéndonos a las diversas estancias de la misma.
Es simple y llanamente la arquitectura existente la que nos provoca la sensación de estar en un lugar inmenso, tener la suerte de sentirte una pequeña hormiga en un lugar dominante, lleno de luz y de esplendor.
No se trata de creer o no creer cuando entras en una Iglesia de éste tipo, te maravilla igualmente la sencillez del lugar, las alturas son enormes pero no es una iglesia recargada de montones de imágenes de santos y retablos sino que transmite la sensación de pureza. Te hace sentir en un lugar ajeno a ti por su tu grandilocuencia y al mismo tiempo su sencillez te acoge.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)