El séptimo arte

 Me gustaría poder considerar como tercera exposición a comentar una relacionada con el séptimo arte. 

Poco puedo teorizar acerca de él, pero considero que al igual que el resto de artes puede ser expuesto. Podríamos considerar hasta una proyección comercial una exposición de cine, aun así el objeto de esta entrada son proyecciones fuera de cartelera. 

He podido asistir en varias ocasiones a las que realiza el club de cine Pessic en mi pueblo. De especial mención fue el placer de poder ver en excelente calidad, versión original y una (casi) gran pantalla la gran Pulp Fiction. La amo. Soy fan de Tarantino y fan de Uma, por lo que estoy obligada a amar este largo.

Pero de largos no iba este asunto. Pretendía hablar de una proyección mucho más humilde de este pasado octubre en Gata de Gorgos, en la que un amigo-conocido, Sergi Monfort (conocido como Thirty) exponía alguno de sus cortometrajes (como director y actor), que ha ido gravando por placer con el tiempo. Se realizaban varias a lo largo de un fin de semana en el que en la localidad la asociación de comerciante realiza la llamada fira al carrer  a la que se suelen añadir varias actividades de ocio y artísticas para añadir un reclamo más para los posibles visitantes.

No soy quien para juzgar la calidad artística de su trabajo pero opino que puede tener futuro, sobre todo si sigue trabajando con la ilusión que lo hace.

Se realizó en una pequeña sala con un proyector de cuestionable calidad.

En esta proyección pudimos ver Un susto de muerte, No es una broma (primer premio de la tercera edición del taller de cine del FEPAD), Árbolex, Hikikomori y 5 dias de insomnia.

Aunque de diferentes temáticas suele incluir en ellos algún tipo de crítica o sentido más allá de la ficción.

Cómo cuenta él mismo, "Un susto de muerte relata la breve historia de un anónimo personaje acosado siempre por otro tipo que siempre tratará de darle sustos de la forma más absurda posible". De tono gracioso y absurdo a la vez que simpático puede ser una reflexión de como la juventud se está volviendo cada vez menos impresionable al estar expuesto diariamente gracias a varios medios (desde los noticiarios de televisión hasta el cine) a imágenes algo fuertes.

Con No es una broma se ejerce una denuncia contra el consumo de drogas, especialmente entre adolescentes. En personaje del "payaso" me gusta especialmente, ya que siempre me han parecido más terroríficos (del estilo degradado y desagradable de los personajes de Balada Triste de Trompeta) que divertidos. La frase final "No seas payaso, la droga no es una broma" justifica perfectamente la figura del personaje en la historia. 

Mejor relatado por él: "Árbolex narra (si se le puede llamar narrar) la historia de un adolescente que se comunica con cartelillos (Sergi Monfort), a cargo de un coronel con la barba pintada (Sergi Monfort), cuyo jefe es una planta (Sr. Clorofila). Aquí empieza una historia con un humor surrealista, todo un genocidio neuronal." 

Con poco sentido más allá de lo experimental y la diversión por la creación.De un humor más surrealista que absurdo es el corto que más incompleto me parece o bien me da la sensación de que sobra la historia del Coronel Clorofila. 

Con Hikikomori trata la fenómeno sociológico japones que consiste en el recluimento domestico de jóvenes que se apartan de todo contacto social. Relacionado con la agorafobia y con las adicciones derivadas de programas de Internet es un fenómeno real documentado que Thirty intenta mostrar y denunciar en este cortometraje. 

Cinco dias de insomnia relata la historia de un joven ajetreado falto de tiempo. Es un trabajo un poco más maduro en el que parece plasmar el agobio por el estudio y la falta de tiempo social que suele empezar con el baxiller (y se magnifica, en el caso de algunas carreras, en la universidad).

Eso es lo que abarcó la exposición. A pesar de haberlos visto con anterioridad siempre da gusto el asistir a una proyección "de mayores dimensiones". Personalmente me faltó que incluyese su Fobias, historia paranoica de largos monólogos de mi gusto.

Para los que no se atreven a cumplir sus sueños, como el de ser director, Querer es Poder. 

y... Hay algo más allá del cine comercial.

Arthouse

La historia es simple. En un pub que suelo frecuentar ocasionalmente cuelgan cuadros de diferentes dimensiones. Muchas veces los había estado mirando y admirando, pero nunca llegó a atraparme uno de verdad hasta que colgaron este: 

A raíz de mi gran fascinación por esta pieza un amigo terminó por regalármela y, al hablarme de la artista, Julia Evans, no tuve otra opción que satisfacer mi curiosidad y visitar su galería.

No tengo fotografías propias del lugar, ya que no fui con afán de documentarlo, simplemente de vivirlo.  

Situada en Gata de Gorgos, Julia Evans es propietaria y fundadora de la galería y escuela de arte ArtHouse. En una galería completamente diáfana y de paredes blancas se exponen colgadas las obras de varios artistas que colaboran en su proyecto de “divulgación del gusto por la pintura”, a demás de sus propias. Anexo a  pude acceder al aula en la que se realizan sus talleres, más amplia, con caballetes desperdigados con pinturas empezadas y acababas y otros lienzos apoyados sobre las paredes, a medias. Pero más que su exposición o su taller lo que me llamó la atención fue una sala de trabajo de reducidas dimensiones en la que se abigarraban montones de cuadros acabados e inacabados de Julia. Alma desordenada y fascinante de artista. 

Otro cuadro que me atrapó de una forma especial fue el siguiente, por la triste y perturbadora mirada del chico. Tengo entendido que es un amigo que posa con bastante frecuencia para ella ya que pude ver varios cuadros en los que aparecía, aunque con diferentes expresiones.

 Tanto como algunas de sus obras, o casi más que la mayoría, me gustó escucharla a ella y conocer su actitud e historia con el arte. Curioso es también lo que nos cuenta en su biografía, con especial estos párrafos que me voy a permitir traducir para terminar con la entrada y que ilustran su ser, que percibí mediante su pintura: 

"Jugué con la fotografía y la iluminación haciendo básicamente lo opuesto de lo que uno haría para hacerse ver a uno mismo bello. Esas fotos fueron una enorme inspiración para mí. Yo quería hacer de mí lo más “fea” que fuese posible, pero creando algo bello mediante esa fealdad usando colores y texturas. Para figurar o afrontar lo que la sociedad percibe como feo y para intentar eliminar esa percepción. Para ver si podemos encontrar belleza en una carne grasienta o en un estirado y magullado rostro."

"Hubo un punto en mi vida en el que decidí que odiaba la pintura y odiaba el arte. Los detalles son irrelevantes pero diré que no cogí un pincel en casi dos años. Con el tiempo mi trabajo me capturó. Me atrapó otra vez porque yo no parecía poder escapar de ello. Unos cuantos años antes de esto un amigo me preguntó por qué era pintora. Fue una pregunta que no supe responder. Eso fue hasta ahora. La respuesta es que no tengo elección. Yo realmente tengo que pintar. Si no estoy segura de que me cazaría, estoy segura que me encontraría pintando en sueños. "

Rural vs Urban

Histórica confrontación. ¿Que es mejor la vida en un entorno urbano o en uno más rural? Como siempre, para gustos, colores...  Histórica porque la lucha de lo rural contra lo urbano (y viceversa) lleva mucho tiempo dándose y, a pesar de que las ciudades crecen y crecen, aparentemente ganándole distancia a su oponente, el gusto por lo rural resiste. Vivimos en cubículos de nuestra ciudad pero aspiramos, muchos, en poder llegar a tener algún día nuestra residencia en un lugar idílico y envuelto de naturaleza.

A pesar de la colonización de la ciudad coexisten multitud de diferentes formas residenciales de asentarse (multiplicidad que hemos de conocer y controlar los arquitectos) tan próximas a uno de los rivales como al otro. Así mismo nos son compartimentos estancos: en ocasiones se entrelazan y se acercan, se mezclan. Y no podemos olvidar que no todo lo urbano o todo lo rural es igual: uno de los elementos mágicos de un viaje es el descubrir otros estilos de ciudad o de edificios, conocer y descubrir nuevos lugares, la belleza y la cultura que ocultan, es siempre un placer. 

Las siguientes fotografías propias de vista urbana ilustran esa diferencia que puede haber en la concepción de ese mismo término. 

Gran vía de Madrid

Esta foto la tomé más que nada como prueba de la vista que se tenía desde la habitación de nuestro hostal, de precio más que razonable a pesar de su céntrica localización. A demás es representativa de la arquitectura de la calle y de su carácter como vía de gran tráfico. Por último es de comentar que me parecía una buena foto a tomar ya que desde el punto de vista tomado podías apreciar la altura de las edificaciones a la vez que la amplitud de la calle, lo que nos da una idea de la percepción que se puede tener de ella o la sensación al andar por sus aceras. 

Pedreguer (La Marina Alta)

Vista desde el monte que lo limita al oeste de mí pueblo. Tomada a medio camino durante una caminata al darme cuenta de que íbamos ganando altura. Es bastante significativa ya que muestra que es una población situada en el lecho de una montaña y muy cercana a otra, a la vez que a pocos quilómetros del mar, que se ve al fondo.

Trocito de la Valencia de Calatrava

Aunque mucha gente, especialmente dentro de nuestra facultad, le tenga algo de tirria, es innegable que las, mejor o peores, construcciones de Calatrava en Valencia se han convertido en un signo o icono representativo de la ciudad. Esta foto fue tomada durante un concierto que tenía lugar en la Ciudad de las Artes y las Ciencias, un día nublado. A demás de ser una vista de esos iconos, me parecía interesante la forma en que los tirantes del puente llenaban el primer plano de nuestra vista y cómo se ven estas construcciones en un día nublado, no muy habitual en Valencia.

Mugardos (Galicia)

Estas dos son fotos “de recuerdo” de un viaje de este Agosto a Galicia con mis amigas. Estuvimos al norte de la comunidad, quedándonos en Pontedeume (puente del Eume, nombre característico porque la pequeña ciudad se desarrolla a ambos lados del río, conectados por el puente que lo atraviesa. Desde el Castillo de Andrade podíamos apreciar el paisaje formado por las rías gallegas de la zona y como se había urbanizado en ellas, de forma más respetuosa con el medio de lo que se ha hecho en nuestra costa.

La imagen superior es de un pueblo cercano a Ferrol, al que llegamos desde allí con barca y al que se suele ir a comer el “pulpo a la mugardesa”, propio de allí y diferente al que hacen “a la freira” en el resto de Galicia.

Pontedeume (Galicia)

Surreal vs Surrealismo II

Enlazando con la entrada anterior de Mari, pretendo comentar esta exposición del IVAM.

Es curioso, por otra parte, como muchos hemos recurrido a ver las exposiciones de este museo frente la petición de hablar de tres exposiciones. A parte de ello, era la primera vez que entraba en el edificio cuyo interior me sorprendió. Recorrí todas sus salas con calma y entusiasmo a la vez pero destaca inevitablemente “Surreal vs Surrealismo”.

Lo visité principalmente para ver la exposición de Surreal vs Surrealismo ya que esta premisa y lo que se puede leer en la web del IVAM, me llamaban especialmente la atención y porque entre la lista de artistas que exponían reconocí a Marc Quinn, quien fue mencionado en clase por sus autoretratos periódicos (cada 5 años realiza un autorretrato con 5 litros de su propia sangre, rellenando un molde de su rostro y manteniéndolo refrigerado a -1,4ºC. 

Como ha contado mi compañera, la exposición se divide en cuatro salas luminosas a la vez que confortables en las que las obras se encuentran ordenadas cronológicamente desde los años '80 hasta la actualidad. Combina pintura, escultura, fotografía  y escultura audiovisual. 

Cada obra estaba señalada con el título y autor, a demás de una explicación o reflexión sobre su significado. Según, probablemente, consideraciones del artista, se encuentran las pinturas colgadas con o sin marco sobre una pared blanca. Las esculturas, al igual, las vemos directamente sobre el suelo, apoyadas sobre altares o incluso colgadas.

Mediante ellas podemos ver diferentes maneras muy contrastadas de abarcar algo surreal o diferentes formas de considerar el término.

Entre otros, en la primera sala se puede ver "Prision", de Peter Halley (1985).

La imagen de la prisión de Halley me da una sensación más que inquietante. Pero más allá de lo visual me pareció interesante lo que se oculta detrás de ella o lo que la justifica. El autor, mediante sus obras que representan geometrías o elementos icónicos, hace una crítica al papel de la tecnología en la sociedad y como algunos recursos a los que abrimos nuestra casa, como pueda ser internet, nos atrapan, entran en nuestra casa y en nuestro día a día y pueden llegar a "monitorizar y regular nuestras acciones, gustos y costumbres" (cita de la exposición).

En la siguiente sala, a la derecha de la entrada encontramos esta "Anastasia" de Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin. Esta fotografía manipulada digitalmente nos muestra la imagen de una muchacha de cuerpo adolescente a la vez que surreal. En ella encontramos elementos extraños, más allá de la belleza de su cuerpo poco real, entre los que destaca la máscara negra detrás de la que oculta su rostro. Junto a la mancha negra, su mirada nos muestra una parte de la naturaleza oscura que podemos ocultar todos, que contrasta con la suavidad y claridad de los tonos fríos del resto de la composición, como puede ser su peinado y su piel. 

Relacionada con nuestro objeto de estudio, la arquitectura, vemos "Jornalista Roberto Marinho II" de Dionisio Gonzalez. Este artista español trabaja con sus propias fotografías mediante el retoque digital para mostrarnos la realidad sorprendente de las favelas Brasileñas y la sociedad jerarquizada que esconden. Aquí, como en otras de sus obras, retrata las arquitecturas no planificadas que se forman, creando una imagen muy atractiva visualmente.

 Probablemente el rincón más sorprendente de la exposición era el último a la derecha antes de llegar a la sala del fondo en el que se exponía la escultura audiovisual de Toni Oursler que tanto llama la atención, "Head with tools": se trata de una cabeza-huevo sin cuerpo cuyo rostro se retuerce y no deja de hablar amenazando al espectador y pidiendo ser liberado. La forma de este ente es metáfora de la "condición embrionaria y de la consciencia" según su etiqueta, que atravesada por utensilios de tortura establecen un puente entre lo espiritual o nuestro mundo interior con el exterior. Este artista ha realizado varias esculturas audiovisuales en las que indaga sobre el "desdoblamiento de la personalidad generado por traumas psicológicos". Es curioso el atractivo que genera esta obra y cómo logra atraer la atención de quien anda por la exposición ya que resulta inquietante, perturbadora y de gran tenebrismo. 

Y para finalizar he de mencionar la escultura de Quinn. Sitauda al lado de la escultura de Toni Oursler y a pesar del atractivo de la cabeza-huevo, la escultura de Marc Quinn no pasa desapercibida. 

Un esqueleto al que se unen algunos elementos orgánicos parece levitar en posición de meditación con las piernas cruzadas y las manos juntas.

Con ello el artista pretende reflejar la trasformación de nuestro cuerpo después de la muerte y como nuestra materia, nuestros huesos formados por carbono, pasan a formar parte de la materia orgánica del mundo. Nacemos de la tierra y a ella volvemos, ese es nuestro futuro, volver a formar parte de ella.

Crear

Complicada la tarea arquitectónica de crear de la nada, imaginar, ingeniar espacios habitables que cumplan su función, sean confortables y los percibamos de manera agradable conforme a nuestro gusto. Se ha de imaginar al detalle, a demás de multitud de otras consideraciones de amplia variedad, como será Habitar en el espacio que estamos creando. Para ello entran en juego muchos factores y, en ocasiones, podríamos decir que el arquitecto pasa a ser también un artista funcional, que juega con composiciones de luces, colores y geometrías para construir, por ejemplo, nuestro hogar.

En las fotografías de interior podemos apreciar el resultado final del proyecto que engendró, cuidó, cultivó e hizo crecer un arquitecto. Así mismo, al encuadrar un pequeño fragmento de ese espacio en un marco fotográfico las geometrías ideadas por ese alguien pasan a formar parte de un marco menor y podemos apreciar la composición arquitectónica interior de forma casi sintética e incluso comparar esa composición con la tarea de un artista de bellas artes.

Ante la propuesta de introducir en este blog fotografías de interior propias lo primero que me vino a la cabeza y la idea que he terminado plasmando, fue la de cómo se percibiría mi propio hogar enmarcado fuera de la totalidad del edificio. Dicho esto y cámara en mano, a jugar:

Vista de las escaleras des del comedor. Simetrías

Vista de las escaleras desde el pasillo de los dormitorios. 

Pasillo de los dormitorios. Luces

En mi habitación. Reflejos, continuidades. 

Último descansillo de la escalera. Planos de color, geometrías

Puerta al altillo-biblioteca-habitación desastres

Me interesa o tengo un gusto especial por la iluminación artificial de las estancias, que puede cambiar totalmente la forma de percibir el espacio que muestra, por ello usé ese tipo de luz en las fotografías. La iluminación está sujeta a gustos personales ya que, por ejemplo, yo prefiero luces bajas y cálidas. El color que nos rodea es algo que influye en nuestro confort y que no se libra de pasar, también, por consideraciones particulares: puede que alguien se sienta como en casa en lugares de colores claros, suaves o apacibles. A mí me gustan atmósferas cálidas, de colores de la tierra, especialmente en cuanto a los planos horizontales se refiere, mientras que para lo vertical me gusta ver un azul o gris.

Las fotos que muestro son de mi casa, lugar en el que me costó empezar a vivir ya que antes residíamos en un pequeño pisito convencional y la actual es una casa abierta (falta algo -o bastante- de intimidad) en la que todos los espacios parecen estar relacionados y se vuelcan al salón, abierto al comedor y a la escalera, principalmente.

A pesar de ello, en estos marcos he escogido fragmentos que me han hecho ver que, al igual que pasa con el paisaje, el espacio interior, como la naturaleza, se convierte en algo más al seleccionarla, al escoger un fragmento, quitarlo de su contexto e intentar apreciar su valor visual y lo que nos suscita.

Estas imágenes opino que reflejan esa mezcla de percepciones que nos puede dar la luz artificial y cómo al escoger un trocito de arquitectura "aparece" la imagen de una composición, más o menos compleja, cuya percepción debió de ser considerada por el arquitecto.

¿Quién es Banksy?

Estoy bastante segura que al menos alguna de estas imágenes os sonará aunque no conozcáis su firma. 

Se trata de obras del “famoso y desconocido” (ya que oculta su identidad pero su obra es muy famosa) artista callejero Banksy. Probablemente este anonimato va ligado al tipo de creaciones, ya consideradas arte, que lleva a cabo. Las pintadas callejeras tienen su propia historia pues se le atribuye una a Jack el Destripador por allá 1888, pero es un movimiento que se ha ido desarrollando hasta ser considerado una manifestación artística en la actualidad, aunque aun haya controversia respecto el tema. No está exento de debates debido a la tradición de considerarlo vandalismo. Probablemente Banksy ha ayudado a que se produzca este cambio en la mentalidad o a contribuido a la consideración del grafitti como crítica social a la vez que arte, Street Art, o bien ha estado en el sitio concreto en el momento concreto. 

Comenzó en las calles de Bristol y ha ido extendiendo su arte por todo el mundo, buscando sitios estratégicos donde colocar sus provocativas, reivindicativas y problemáticas creaciones. 

Ha expuesto en diferentes galerías y museos (como el MOMA o el British Museum), trabajado para importantes firmas como Puma  y MTV, para Greenpeace (http://www.artrepublic.com/attachments/image/270/19270/19270.jpeg) e incluso ha realizado un polémico, como no, inicio para Los Simpsons (http://www.youtube.com/watch?v=sh1LhJzF3rE). 

Una de sus obras ha llegado a venderse por más de 200.000 libras en subasta (fuente: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Banksy/precio/oro/elpepucul/20080114elpepucul_7/Tes). 

La excusa de hablar sobre Banksy como contenido obligatorio es ya que en su obra suele incluir, al igual que otros grafiteros ediciones o trabajos sobre obras de arte anteriores, históricamente bien consideradas como arte.

Su fama llegó a los Oscar el año pasado con la nominación a mejor largometraje documental de "Exit Through the Giftshop" en el que podemos ver unos cuantos de ejemplos de inspiración en la obra de arte.

En este largo, muy recomendable, el mismo Banksy (con la cara oculta y la voz distorsionada) nos cuenta la historia de Thierry Guetta mediante sus filmaciones. Obsesionado con filmar cada segundo de su vida este francés residente en Los Ángeles se topó con el street art. Se trata de un peculiar personaje que ser verá absorbido por los artistas de la noche y... dará a la historia un curioso vuelco que no quiero comentar para no influenciar un posible visionado. Solo mencionar que la carátula del último disco de Madonna es obra Therry, también conocido con el nombre de Mr. Brainwash (http://www.envasarte.com/wp-content/uploads/2011/02/brainwash-last.jpg) y que se ha dedicado casi exclusivamente a reeditar famosas obras de la historia del arte, especialmente del pop art, al estilo grafiti como estos de Warhol:

Lata de tomate de Campbell convertida en un bote de espray, referencia al grafiti cono arte.

Varios personajes famosos convertidos en la Marilyn de Warhol.

Esto también lo hizo también Banksy en obras como la Mona Lisa que he enseñado en la recopilación del principio pero con intención de denuncia social. Despertó mucha polémica cuando infiltró en grandes museos reediciones propias de cuadros expuestos en el museo:

La Olimpia de Manet de Banksy Crítica al concepto de mujer bella en la actualidad.

Manifestación en contra de la contaminación del aire colocada en museo al lado del original.

La Lata de tomate de Campbell  del Tesco, gran empresa que ha llenado el reino unido de supermercados. Crítica al monopolio de la marca y al capitalismo.

Lo de estos artistas y estas obras es un tema muy controvertido pero en el caso de Banksy se extiende más allá del gamberrismo ya que su obra se basa en una crítica socio-cultural de la actualidad. No voy a entrar mucho a comentar el tema ya que abarca casi todos los temas de la actualidad. Una de las imágenes que repite es la de la rata, que simboliza la humanidad como plaga amoral. También es frecuente el uso de imágenes de niños o elementos que puedan tocar nuestra fibra sensible para intentar concienciarnos sobre temas como el tercermundismo. Otra de sus características es la modificación, uso e incluso ridiculización de elementos tópicos, de iconos, como crítica: una escultura en la que vemos la típica cabina de teléfonos inglesa rota por la mitad con una piqueta atravesada. Un último rasgo a mencionar es que sus obras están ligadas al lugar, a la calle, el espacio de la pintura convive y juega con el espacio real o los grafitis preexistentes, como se ejemplifica en las imágenes del muro de Cisjordania, la limpiadora levantando la pared o las siguientes: 

En todo caso, os recomiendo que miréis la peli, os dejéis seducir por el street art y luego me contáis vuestra opinión sobre Therry... 

Y para finalizar, una cita: 

" La gente quiere hacer del mundo un lugar mejor; yo sólo quiero hacerlo un lugar más vistoso. Y si no te gusta, puedes pintar sobre él." 

(Web oficial de Banksy: http://www.banksy.co.uk/ )

El arte está en todas partes

y como muestra de ello dejo un monólogo, más o menos gracioso, de Pepa Rus, en el que hace un repaso de como ha variado el cánon de belleza a lo largo de la historia con un toque de humor:

Sobre lo Real

Rompiendo totalmente con la dulzura y serenidad de la entradas anteriores pero siguiendo con la fotografía, pretendo hablar del famoso fotógrafo y director David Lachapelle. Obsesionado con la fotografía desde su infancia, es considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo en la actualidad.

En su obra han participado muchas celebridades  (Uma Thurman, Madona, Katy Perry, Marylin Manson, Shakira, Leonardo di Caprio, Drew Barrymore, Elton John…) y forma parte de las portadas de populares revistas, como Rolling Stone o Interview  y de campañas publicitarias de importantes empresas como MTV, l’Oreal, Diesel Jeans, Ford, Sky Vodka. A demás de en publicidad, también ha trabajo como director en videoclips musicales, como Natural Blues de Moby o Rich girl de Gwen Stefani.

Es conocido por sus escenas surrealistas a la vez que relacionadas con el pop art y algo manieristas, de carácter rompedor, glamuroso, morboso, sensual, provocativo, de colores muy vivos e imágenes sorprendentes, figuras aglomeradas y mucho detalle.

Es recomendable este artículo titulado Surrealismo, Sabotaje de lo real y David Lachapello como relación del artista con la vanguardia: http://www.homines.com/arte_xx/surrealismo_sabotaje_realidad/index.htm

Su obra, a demás de estar muy relacionada con el mundo de la publicidad y con la vanguardia surrealista, tiene como influencia más o menos obvia obras artísticas históricas como las siguientes:

 

La ultima Cena, inspirada en La ultima Cena de Leonardo da Vinci.

Para su exposición Awakened  reinterpretó de forma contemporánea El diluvio de Miguel Ángel.

Aquí emula a Venus y Marte, de Boticelli.

 

También podemos encontrar relación entre esta provocativa lechera con La Lechera de Vermeer, que con una indumentaria del mismo estilo, decanta la leche de una forma casi sonora.

A demás suele recurrir a icónos católicos, como este retraro de Michael Jackson que nos lleva a las representaciones del arcángel San Miguel pisando al diablo, o  la pietá en este  otro retrato del cantante o este en el que vemos  Curtney Love como la virgen sosteniendo a su hijo muerto, Kurt Cobain convertido en Jesús, que me gusta especialmente.

Seguro que se pueden encontrar más relaciones artísticas o icónicas. Si teneis curiosidad aquí está la web de David Lachaplle en la que se muestra parte de su obra . http://www.lachapellestudio.com/  No tiene desperdicio. 

Perdidos

Siguiendo con la fotografía voy a hablaros un poco de mi tierra, La Marina Alta. Situada en el sur de Valencia y el norte de Alicante, ahí donde en las noticias estos días han dicho que llovía tanto y donde se pueden encontrar paisajes preciosos. Existe un gran contraste entre la costa, muy urbanizada como toda la levantina, en la que así mismo se pueden encontrar vistas maravillosas como en los cabos de Jávea, y el interior de la comarca, mucho menos conocido. Dejando a un lado el litoral, conocido gracias al turismo de verano de  Calpe, Jávea y Denia, principalmente, voy a presentaros el lado más natural de la comarca, donde se encuentran pequeños pueblos como La Vall de Gallinera (donde, debido a la repoblación de después de la reconquista de Valencia, aun se encuentran rasgos de habla mallorquina), La Vall d’Alcalá, Castells de Castells o la Vall de Laguart.

A pesar de que mi pueblo, Pedreguer, se encuentra más bien cercano a la playa, a menos de diez quilómetros, es casi un pueblo de montaña, asentado en un valle, que podríamos decir que forma junto con otros pueblos como Gata u Ondara, una línea separatoria entre el interior y el litoral y con un paisaje montañoso, como podéis ver en este atardecer desde la ventana de mi habitación. 

Vista hacia las montañas de Sagra desde Pedreguer, fotografía propia

Como hay allí mucho que disfrutar, de vez en cuando hago escapadas con mis amigos bajo cualquier excusa, como ayer. ¿Qué hay por aquí más tradicional que comer “puchero” en domingo? Pocas cosas… Así, decidimos ir a un bar conocido a comer de calentito en la Vall d’Ebo. Como cabía esperar la escapada no terminó con la comida y dimos una vuelta por el interior, disfrutando de la vista y bajando del coche de tanto en tanto hasta que se ocultó el sol. Aquí añado algunas fotos de paisaje tomadas en el momento.

Reflejos en Ebo

En este marco destaca una gran nube espesa que oculta el sol. El astro rey parece luchar contra él para hacernos llegar un poco de su luz por lo que vemos diferentes tonos de azul según los rayos que deja atravesar la nuble. En el centro recorta el celaje una suave colina, un pequeño trozo de campo, a la izquierda unos juncos rojos y a la derecha un poste de la luz que nos muestra que hasta parajes algo remotos se encuentran afectados por la acción de las personas. 

Pero lo que me parece más característico de esta vista y por lo que estuve luchando con la cámara del móvil, es el nítido reflejo del cielo en un pequeño embalse del río.

Mirando hacia arriba en Ebo

Esta vista me parece menos especial que la anterior ya que perfectamente la podríamos encontrar incluso en la capital. Aun así en esta fotografía se sugiere que estamos en un ambiente lugar con los pequeños picos de una montaña de curvas suaves en el límite inferior de la imagen. Fue escogida por cómo vemos el cielo a través de las ramas y cómo parece, en el inferior, que las nubes conformen el follaje de las mismas. 

Puesta de sol subiendo a "El coll de Rates", emborronada por las nubes bajas

 Esta foto me llevó a una ardua lucha para intentar que se viese la luna y la situación de las nubes y la niebla pero la cámara no pudo afrontar mis exigencias.  Era interesante porque, como es normal, el cielo explicaba perfectamente el frío que estábamos pasando. Fue un amanecer frío con el cielo más bien despejado (solo se muestran unas nubes tímidas en otro monte, al fondo) y una grandísima luna creciente. Podíamos ver justo delante de nosotros, entre la montaña en la que nos encontrábamos y las del fondo, una espesísima masa de niebla húmeda que cubría el valle y acentuaba nuestro frío debido a la sensación de humedad.

Desde "El coll de Rates", vista poco urbanizada

Girándonos 180º respecto la vista natural anterior veamos el paisaje de ese trozo de comarca: pequeños núcleos rurales rodeados situados en valles de varias formaciones montañosas.

Refugio forestal

Domesticar

Esta entrada va plenamente dedicada a mi hermana menor, Laura, con la que me llevo once años y que ya va por los ocho. Por esa personilla que me hizo tan difícil venirme a vivir a Valencia y en la que tanto me vuelco para ayudarla a crecer convirtiéndose poco a poco en una gran persona. Tan sólo como anécdota, Laura fue un bebé con quien me llevé fatal (supongo que por celos cuando interrumpió en mi vida y por lo poco que me pueden hacer gracia los niños irracionales) pero con quien intenté hacer las paces al darme cuenta que mis brazos eran los únicos de casa en los que no se sentía bien. Después de eso y con todo mi empeño, nuestra relación fue a mejor hasta que he llegado a enamorarme de ella como hermana y amiga, y sé que ella comparte ese sentimiento, un vínculo muy intenso, por las veces que no ha podido aguantar llorar cuando me vengo a estudiar o cuando hablamos por teléfono desde la distancia y las veces que su vocecita me ha hecho llorar a mí.

En este retrato se la ve de espaldas  en el suelo de mi habitación no hace más de dos semanas cuando, después de estar más de cinco horas jugando, le quité mi vieja Game Boy Advance, con la que juega a pesar de tener consolas más nuevas, para que descansase la vista un rato. Ella más que enfadarse, se puso triste por no poder seguir jugando y por verme algo enojada, luego se echó al suelo como la vemos aquí.

Para mí, a demás de parecerme una imagen preciosa, es muy significativo ya que ilustra nuestra relación, ese amor que nos tenemos a pesar de tener pequeñas discusiones.

Para terminar dejo una fragmento de “El Principito” de Antoine de Saint-Exupéry, en el que el protagonista se despide de su zorro, que me parece bastante apropiado al haber hablado de mi relación con la pequeña y de cómo cuidándola se ha convertido en alguien indispensable para mí:

"Y cuando se aproximó la hora de la partida:

- Ah! - dijo el zorro... - Voy a llorar.
- Es tu culpa – dijo el principito -, yo no te deseaba ningún mal pero tú quisiste que te domesticara…
- Sí – dijo el zorro.
- ¡Pero vas a llorar! – dijo el principito.
- Sí – dijo el zorro.
- Entonces, no ganas nada.
- Gano –dijo el zorro – por el color del color del trigo.
Luego agregó:
- Ve y mira nuevamente a las rosas. Comprenderás que la tuya es única en el mundo. Y cuando regreses a decirme adiós, te regalaré un secreto.
El principito se fue a ver nuevamente a las rosas:
- No sois en absoluto parecidas a mi rosa; no sois nada aún – les dijo -. Nadie os ha domesticado y no habéis domesticado a nadie. Sois como mi zorro. No era más que un zorro semejante a cien mil otros. Pero yo lo hice mi amigo y ahora es único en el mundo.
Y las rosas se sintieron molestas.
- Sois bellas, pero estáis vacías – continuó -. No se puede morir por vosotras. Sin duda que un transeúnte común creerá que mi rosa se os parece. Pero ella sola es más importante que todas vosotras, puesto que es ella la rosa que he regado. Puesto que es ella la rosa que puse bajo un globo. Puesto que es ella la rosa que abrigué con el biombo. Puesto que es ella la rosa cuyas orugas maté (salvo las dos o tres que se hicieron mariposas). Puesto que es ella la rosa a la que escuché quejarse, o alabarse, o aun, algunas veces, callarse. Porque ella es mi rosa.
Y volvió hacia el zorro:
- Adiós – dijo.
- Adiós – dijo el zorro. – Aquí está mi secreto. Es muy simple: sólo se ve bien con el corazón. Lo esencial es invisible a los ojos.
- Lo esencial es invisible a los ojos – repitió el principito a fin de recordarlo.
- Es el tiempo que has perdido en tu rosa lo que hace a tu rosa tan importante.
- Es el tiempo que he perdido en mi rosa... – dijo el principito a fin de recordarlo.
- Los hombres han olvidado esta verdad – dijo el zorro. – Pero tú no debes olvidarla. Eres responsable para siempre de lo que has domesticado. Eres responsable de tu rosa...
- Soy responsable de mi rosa... - repitió el principito a fin de recordarlo. "

La publicidad de los publicistas

Sin relación o más intención que compartirlo, os dejo un fantástico vídeo que revolucionó a la gente cuando On&On, una empresa de publicidad de Barcelona, se auto-publicitó de una forma muy original. La idea inicial fue intentar vender algo imposible. Empezaron por crear una web, www.yonshiandson.com, que sería el portal de la empresa que vedería el supuesto producto. Eligieron las moscas de compañía, que supuestamente eran vendidas desde 1950 por la marca. El resultado fue impactante:
- Más de 60.000 visitas en ocho semanas
- Gran movilización de la gente en redes sociales (Facebook, Twitter...)
- Miles de visitas en YouTube
- Aparicion en noticiarios
- Resevas de productos y complementos como Mosca Albina por 0,50€ (caracterizada por un vuelo eficiente y por ser poco amante de las lentejuelas) o ataúdes Sweet Dreams para descanso final de su mascota.
Pero sobran las palabras, aquí os dejo el vídeo de la empresa en el que lo explican y que justifica su eslogan:

SI SOMOS CAPACES DE VENDER MOSCAS,

     SOMOS CAPACES DE VENDERLO TODO. 

Besos y otras cosas doradas

"La boca del justo meditará la sabiduría
y su lengua dará un juicio" 

Así empieza la canción de los créditos iniciales del anime (serie japonesa de animación) Elfen Lied. Se trata de una serie completa de 14 capítulos, si mal no recuerdo, plagada de referencias artístico-culturales, empezando por el nombre de la protagonista en una de sus dos personalidades, Lucy, como el primer australopithecus encontrado, ya que ella es la primera de su especie en la historia. Tiene una trama compleja que engloba muchos géneros, desde el romántico, pasando por conspiraciones gubernamentales hasta el thriller gore, no apto para almas muy impresionables ante imágenes algo sanguinolentas. 

A pesar del significado de la série el motivo de esta entrada es comentaros la referencia más explícita, que se encuentra en los créditos iniciales y finales (http://www.youtube.com/watch?v=Ha5fguknGxw) en los que aparece la protagonista y otro personaje femenino importante en diferentes imágenes que, obviamente, emulan a obras de Gustav Klimt (1863-1918). Así mismo, todas las imágenes tienen un significado relacionado con la trama, como una imagen en que sale la protagonista en los brazos de un diclonius que representa su fragilidad humana frente a su naturaleza más "salvaje" o bien su necesidad de refugiarse en alguien de su misma especie. A continuación dejo algunos de estos ejemplos y su obra referente de Klimt en orden de aparición del vídeo.

 
"El Cumplimiento"


Combinación de "Adan y Eva" (parte superior) y la parte derecha de "Las tres edades de la mujer", que se completará después

"Retrato de Adele Bloch-Bauer"


"Retrato de Maria Munk"


"Retrato de Madä Primavesi"

 

"El beso", el que se repite en más imágenes

 

La parte derecha de "Las tres edades de la mujer"

Otra vez "El beso" 

"Serpientes de agua I"

1.

2.
La siguiente, con la que dan fin los créditos iniciales,  no tiene tan clara relación. Se suele atribuir a:
 1. "El cumplimiento" de lado,
o bien
2.  "Serpientes de agua II"

Y para finalizar, en los créditos finales vemos a Lucy convertida en "Danae"

Es una forma genial para acercarnos a la obra de este conocido artista, en la que vemos un gusto especial por la representación de la mujer en todas sus facetas aunque con un especial gusto por la femme fatale, como vimos en clase.

Para mentes inquietas podéis investigar por la red y, aunque me duela decirlo, leer la entrada de Elfen Lied en la Wiquipedia ( http://es.wikipedia.org/wiki/Elfen_Lied ) que está bastante completa. 

Eso es todo amigos, espero que os haya gustado.