Dibujos

Ayer tuve la oportunidad de pasarme por el IVAM y visitar la exposición “El dibujo como pensamiento” de Robert Morris. La verdad es que la exposición es muy variada e interesante por ello os la recomiendo, estará expuesta hasta el 8 de enero y es gratuita. Cuando he salido me han dado ganas de dibujar, lo que hacía mucho tiempo que no me pasaba.

La exposición se encuentra en el segundo piso en una galería que ocupa dos plantas. En total se exponen unos 150 dibujos que datan desde 1955 hasta la actualidad, divididos en 10 secciones. Los dibujos no se pueden dividir exactamente según fechas concretas pues cuadros se agrupan según la temática o la técnica en diversas secciones.

Las diferencias entre una sección y otra se debe a que la carrera de Morris abarca desde la performance hasta obras hechas con tierra e instalaciones a gran escala, pasando por la pintura, la escultura, el arte conceptual y el arte minimalista.

En las secciones de Minimalismo, Earthworks o Rubbings, Morris hace un uso del dibujo relacionado con el estudio de las figuras humanas, de las estructuras teatrales (pues escribió algún guión) o de la tierra. En esta sección, se exponen dibujos de tamaño medio y al igual que muchos otros, enmarcados por un marco de madera de tonalidad muy clara. Son obras que se podrían identificar con los dibujos propios de un arquitecto o ingeniero. Por un lado utiliza plantas, alzados y perfiles para describir estructuras y por otro, realiza dibujos sobre papel cuadriculado, que son estudios de la tierra para implantar estructuras u obras de arte.

A diferencia de las secciones anteriores, más técnicas, las que se exponen a continuación son más filosóficas. Son dibujos mediante los que el artista explica sus sentimientos y pensamientos sobre temas morales e históricos. Lo que permite entender el título de la exposición. Estos dibujos están realizados con grafito o tinta sobre papel de acetato.

Bajo el nombre Carcinoma se encuentran una serie de dibujos agrupados según lo que tratan de transmitir, en los que Morris trata de presentar la vista de los corredores carcelarios desde el punto de vista del guardia que los vigila. En ocasiones, muestra su opinión en dibujos en los que llama a abandonar el escepticismo y a ser melancólicos.

He de destacar que estos cuadros se encontraban en un rincón de la sala, tanto que casi se podía considerar un espacio aparte.

Otra sección muy llamativa es la de Los desastres de la Guerra y Diluvios/Tormenta de fuego. En esta primera sección, encontramos las obras que parecen surgir de la composición de varias, siendo las de mayor tamaño de la exposición, situadas en un espacio amplio a doble altura. Los dibujos fueron realizados con los ojos vendados y están inspirados en los grabados de Goya. En ellos se refleja la luz y la oscuridad provocadas por la guerra. Por otro lado, los dibujos de Diluvio se inspiran en el lanzamiento de la bomba atómica de Hiroshima, reflejando el sentimiento de desolación del artista. En esta sección los dibujos se exponen sin marco.

Otra sección algo sobre cogedora es la que lleva el título de Blind Time. En esta sección se representan estados morales. En los dibujos hay escritos cortas frases filosóficas que ayudan al artista a expresar su sentimiento sobre la tortura de prisioneros en Guantánamo.

Por último, se encuentra la sección más actual, una serie de dibujos de Laberintos, en los que se reflejan referencias a la arqueología y a la mitología. Esta fue una sección que no me esperaba. Consiste en unos dibujos más o menos detallados de la construcción y el diseño de algunos laberintos, que tenían multitud de formas. Estos dibujos estaban realizados en tinta o en grafito sobre papel de calco.

Laberinto de Morris construido en Pontevedra

Réplica de un laberinto diseñado por Robert Morris en El Guggenheim

En el piso de arriba, se encontraba la sección Los fantasmas de Goya, en la que se exponían dibujos de pequeño tamaño que resultaban de la unión de varias composiciones. Incluían parte de fotografías, dibujos del artista, grabados, acontecimientos contemporáneos y algunas imágenes que reflejaban los fantasmas de Goya.

Por último, me despido con una frase del artista. Espero que os haya gustado y que os animéis a visitar la exposición.

"Yo soy mis dibujos, para bien o para mal.

quienes somos, estoy seguro, se definirá de oforma muy distinta en el futuro."

Arthouse

La historia es simple. En un pub que suelo frecuentar ocasionalmente cuelgan cuadros de diferentes dimensiones. Muchas veces los había estado mirando y admirando, pero nunca llegó a atraparme uno de verdad hasta que colgaron este: 

A raíz de mi gran fascinación por esta pieza un amigo terminó por regalármela y, al hablarme de la artista, Julia Evans, no tuve otra opción que satisfacer mi curiosidad y visitar su galería.

No tengo fotografías propias del lugar, ya que no fui con afán de documentarlo, simplemente de vivirlo.  

Situada en Gata de Gorgos, Julia Evans es propietaria y fundadora de la galería y escuela de arte ArtHouse. En una galería completamente diáfana y de paredes blancas se exponen colgadas las obras de varios artistas que colaboran en su proyecto de “divulgación del gusto por la pintura”, a demás de sus propias. Anexo a  pude acceder al aula en la que se realizan sus talleres, más amplia, con caballetes desperdigados con pinturas empezadas y acababas y otros lienzos apoyados sobre las paredes, a medias. Pero más que su exposición o su taller lo que me llamó la atención fue una sala de trabajo de reducidas dimensiones en la que se abigarraban montones de cuadros acabados e inacabados de Julia. Alma desordenada y fascinante de artista. 

Otro cuadro que me atrapó de una forma especial fue el siguiente, por la triste y perturbadora mirada del chico. Tengo entendido que es un amigo que posa con bastante frecuencia para ella ya que pude ver varios cuadros en los que aparecía, aunque con diferentes expresiones.

 Tanto como algunas de sus obras, o casi más que la mayoría, me gustó escucharla a ella y conocer su actitud e historia con el arte. Curioso es también lo que nos cuenta en su biografía, con especial estos párrafos que me voy a permitir traducir para terminar con la entrada y que ilustran su ser, que percibí mediante su pintura: 

"Jugué con la fotografía y la iluminación haciendo básicamente lo opuesto de lo que uno haría para hacerse ver a uno mismo bello. Esas fotos fueron una enorme inspiración para mí. Yo quería hacer de mí lo más “fea” que fuese posible, pero creando algo bello mediante esa fealdad usando colores y texturas. Para figurar o afrontar lo que la sociedad percibe como feo y para intentar eliminar esa percepción. Para ver si podemos encontrar belleza en una carne grasienta o en un estirado y magullado rostro."

"Hubo un punto en mi vida en el que decidí que odiaba la pintura y odiaba el arte. Los detalles son irrelevantes pero diré que no cogí un pincel en casi dos años. Con el tiempo mi trabajo me capturó. Me atrapó otra vez porque yo no parecía poder escapar de ello. Unos cuantos años antes de esto un amigo me preguntó por qué era pintora. Fue una pregunta que no supe responder. Eso fue hasta ahora. La respuesta es que no tengo elección. Yo realmente tengo que pintar. Si no estoy segura de que me cazaría, estoy segura que me encontraría pintando en sueños. "

Surreal vs Surrealismo II

Enlazando con la entrada anterior de Mari, pretendo comentar esta exposición del IVAM.

Es curioso, por otra parte, como muchos hemos recurrido a ver las exposiciones de este museo frente la petición de hablar de tres exposiciones. A parte de ello, era la primera vez que entraba en el edificio cuyo interior me sorprendió. Recorrí todas sus salas con calma y entusiasmo a la vez pero destaca inevitablemente “Surreal vs Surrealismo”.

Lo visité principalmente para ver la exposición de Surreal vs Surrealismo ya que esta premisa y lo que se puede leer en la web del IVAM, me llamaban especialmente la atención y porque entre la lista de artistas que exponían reconocí a Marc Quinn, quien fue mencionado en clase por sus autoretratos periódicos (cada 5 años realiza un autorretrato con 5 litros de su propia sangre, rellenando un molde de su rostro y manteniéndolo refrigerado a -1,4ºC. 

Como ha contado mi compañera, la exposición se divide en cuatro salas luminosas a la vez que confortables en las que las obras se encuentran ordenadas cronológicamente desde los años '80 hasta la actualidad. Combina pintura, escultura, fotografía  y escultura audiovisual. 

Cada obra estaba señalada con el título y autor, a demás de una explicación o reflexión sobre su significado. Según, probablemente, consideraciones del artista, se encuentran las pinturas colgadas con o sin marco sobre una pared blanca. Las esculturas, al igual, las vemos directamente sobre el suelo, apoyadas sobre altares o incluso colgadas.

Mediante ellas podemos ver diferentes maneras muy contrastadas de abarcar algo surreal o diferentes formas de considerar el término.

Entre otros, en la primera sala se puede ver "Prision", de Peter Halley (1985).

La imagen de la prisión de Halley me da una sensación más que inquietante. Pero más allá de lo visual me pareció interesante lo que se oculta detrás de ella o lo que la justifica. El autor, mediante sus obras que representan geometrías o elementos icónicos, hace una crítica al papel de la tecnología en la sociedad y como algunos recursos a los que abrimos nuestra casa, como pueda ser internet, nos atrapan, entran en nuestra casa y en nuestro día a día y pueden llegar a "monitorizar y regular nuestras acciones, gustos y costumbres" (cita de la exposición).

En la siguiente sala, a la derecha de la entrada encontramos esta "Anastasia" de Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin. Esta fotografía manipulada digitalmente nos muestra la imagen de una muchacha de cuerpo adolescente a la vez que surreal. En ella encontramos elementos extraños, más allá de la belleza de su cuerpo poco real, entre los que destaca la máscara negra detrás de la que oculta su rostro. Junto a la mancha negra, su mirada nos muestra una parte de la naturaleza oscura que podemos ocultar todos, que contrasta con la suavidad y claridad de los tonos fríos del resto de la composición, como puede ser su peinado y su piel. 

Relacionada con nuestro objeto de estudio, la arquitectura, vemos "Jornalista Roberto Marinho II" de Dionisio Gonzalez. Este artista español trabaja con sus propias fotografías mediante el retoque digital para mostrarnos la realidad sorprendente de las favelas Brasileñas y la sociedad jerarquizada que esconden. Aquí, como en otras de sus obras, retrata las arquitecturas no planificadas que se forman, creando una imagen muy atractiva visualmente.

 Probablemente el rincón más sorprendente de la exposición era el último a la derecha antes de llegar a la sala del fondo en el que se exponía la escultura audiovisual de Toni Oursler que tanto llama la atención, "Head with tools": se trata de una cabeza-huevo sin cuerpo cuyo rostro se retuerce y no deja de hablar amenazando al espectador y pidiendo ser liberado. La forma de este ente es metáfora de la "condición embrionaria y de la consciencia" según su etiqueta, que atravesada por utensilios de tortura establecen un puente entre lo espiritual o nuestro mundo interior con el exterior. Este artista ha realizado varias esculturas audiovisuales en las que indaga sobre el "desdoblamiento de la personalidad generado por traumas psicológicos". Es curioso el atractivo que genera esta obra y cómo logra atraer la atención de quien anda por la exposición ya que resulta inquietante, perturbadora y de gran tenebrismo. 

Y para finalizar he de mencionar la escultura de Quinn. Sitauda al lado de la escultura de Toni Oursler y a pesar del atractivo de la cabeza-huevo, la escultura de Marc Quinn no pasa desapercibida. 

Un esqueleto al que se unen algunos elementos orgánicos parece levitar en posición de meditación con las piernas cruzadas y las manos juntas.

Con ello el artista pretende reflejar la trasformación de nuestro cuerpo después de la muerte y como nuestra materia, nuestros huesos formados por carbono, pasan a formar parte de la materia orgánica del mundo. Nacemos de la tierra y a ella volvemos, ese es nuestro futuro, volver a formar parte de ella.

SURREAL VERSUS SURREALISMO

La última exposición de la que hablaré en el blog es la exposición que personalmente más me gustó cuando visité el IVAM.
Se trata de la exposición de Surrealismo. Fue una exposición en la que pude ver todo tipo de obras, desde esculturas, a pinturas, videos, proyecciones sobre objetos. Un sin fin de obras que se acumulaban a través de las salas que se iban recorriendo.
" Surreal versus Surrealism in Copntemporary Art, comisariada por Gianni Mercurio y Demetrio Paparoni para el IVAM de Valencia, afronta por primera vez este importante aspecto del arte actual. La exposición pone de relieve cómo, mientras las concepciones surrealistas desarrolladas desde el comienzo de los años veinte del siglo pasado están todavía presentes en las obras de diversos artistas importantes de hoy, muchos otros han desarrollado una concepción estética influenciada por los lenguajes de los instrumentos telemáticos de masas. La exposición utiliza por primera vez el término Surreal frente a Surrealismo, dado comienzo así a una elaboración crítica inédita" -es lo que encontramos escrito en el folleto.

La exposición estaba ordenada de forma cronológica y que abarca hasta nuestros días.

Lo que primero pudimos ver es ésta sala que os muestro en ésta imagen. El cuadro que vemos al fondo trata de dos mujeres con un tondo en la mano en la que aparecen entre los dos los cinco sentidos. Apareciendo con la silueta del pelo de las mujeres una silueta humana.

Como he mencionado, se trata de una exposición con una gran diversidad de obras: pinturas, esculturas, vídeos. Por lo que los formatos en los que se exponen son distintos. Encontramos obras expuestas sin ningún tipo de marco, como aparece en ésta obra, que además utilizaba como material papel y no el lienzo. Pero  también aparecen otras obras con marco como podemos ver en la imagen de abajo.

En la siguiente foto podemos ver como los ojos y la boca se han convertido en un espejo, además de lo que podría ser una insinuación al cerebro humano.

La siguiente obra es la titulada Man coming out of the woman (hombre saliendo de la mujer) de Robert Gober.
En el pudimos ver una pierna saliendo de lo que podría ser el pubis femenino. La pierna que salía era de un realismo brutal, en el que se representaban de una forma muy minuciosa el vello corporal.

En ésta otra escultura, encontramos a un niño con una sudadera y capucha puesta en la cabeza, que se encuentra sentado en un pupitre con las manos clavadas con lapiceros en éste.

Si bien la obra anterior la encontramos dispuestas en la esquina, insinuándonos que las partes que faltan de vientre y piernas estarían atravesando la pared y no las veríamos. Ésta nos la encontramos cara la pared. A no ser que nos acerquemos lo único que vemos es a un ser humano sentado en un pupitre. Sin embargo cuando nos acercamos podemos verle la cara y ver como esos lapiceros están clavados en las dos manos de éste.

En el siguiente cuadro y el consiguiente detalle del cuadro, podemos ver una obra de grandes dimensiones, dispuesta sin marco y realizada con una gran minuciosidad. En ella podemos ver un retrato del artista envuelto en un mar de libros en una biblioteca. En ella quiere reflejar la dificultad de aprender toda la cultura existente.

Una de las esculturas que más me gustó fue ésta. Sobre una escultura con forma de ovoide blanca se proyectaba la imagen de una cara bastante tétrica. La cara se movía realizando una serie de expresiones bastante forzadas intentando crear inquietud entre sus observadores. En todo momento daba la impresión de que la cara sabía que estaba siendo observaba y realizaba esos gestos para asustar a sus observadores.

En la siguiente imagen podemos ver una escultura de un hacha  en la que vemos como al intentar cortar al cuchillo se le ha doblado la punta. A la derecha vemos un cuadro en el que aparecen tres personas orientales con una serie de colores sobre sus rostros. Y en el cuadro del fondo encontramos una serie de personas, vestidas con una camiseta igual como si de un uniforme se tratase y con grandes sonrisas en la cara. Se trata de la obra Hapiness de Yue Minjun. En ella el artista intenta reflejar la sociedad en la que nos encontramos en la que según él mismo "somos rehenes de nuestros ídolos".

En la última sala también encontramos la obra Cumulus de Ronald Ventura. Una de las obras más impresionantes que pudimos ver en el museo. Se trata de una pintura acompañada de tres esculturas.
En la pintura aparece el cuerpo de formas sinuosas de una corpulenta mujer sobre una isla. El artista intenta reflejar la pobreza que se vive en Filipinas frente a las grandes islas paradisíacas y de grandes fortunas que habitan entre la pobreza existente. Sin duda alguna, es una de las obras que más me impactó, tanto por sus dimensiones como por las partes que la confieren, así como el mensaje que encierra.

Mou Huan

La siguiente exposición de la que voy a hablar es la del autor chino Mou Huan. Una exposición colorista y llena de vitalidad.
La sala en la que se encontraba era de unas dimensiones muy pequeñas, con unos cuadros de grandes dimensiones, dispuestos pegados a la pared totalmente y sin ningún tipo de marco, lo cual permite el contraste entre el blanco de las paredes y el colorido de los cuadros. Dejando en un eje central, la disposición de tres cuadros en U que representan un terremoto.




En la siguiente imagen vemos esa disposición de los cuadros en torno a las dos paredes y sin ningún tipo de marco. Los cuadros indican la técnica utilizada, generalmente oleo, pero no pone ningún tipo de titulo que nos indique quién está representado, aunque a veces si que indica lo representado.

En los cuadros que se muestran en ésta imagen podemos ver diversos cuadros. En el que se muestra más al fondo encontramos el cuadro con unas personas montadas en bicicleta. En el más cercano a nosotros a la izquierda vemos representada la entrada al avión, mientras que a la derecha nos damos cuenta de que se trata de un niño jugando.

Estamos por tanto ante una obra caracterizada por la pintura de gran dinamismo. Se representa la acción en los cuadros, caracterizando por su gran dinamismo. Lo representa con una pincelada suelta, lo cual aumenta mucho más el dinamismo. Sin embargo, y aunque en algunos de los cuadros veamos como se representa a una persona, no podemos saber quién es, no encontramos los rasgos de las personas que representa, sino que por su forma de representación los hace absolutamente anónimos.

La siguiente imagen nos vuelve a mostrar a la derecha, una obra muy parecida a la de antes mencionada de las bicicletas, solo que ésta aparece en tonos rojizos.

Aquí es donde encontramos cuadros en los que aparece representado un solo cuerpo humano, como podemos ver tanto al fondo como a la izquierda.

Si bien en la foto de la izquierda podemos ver representado a un grupo de personas, desnudas que están leyendo, o estudiando formando una línea clara de unos tras otros que en el cuadro forman una diagonal en el cuadro. Todos ellos representados de espaldas, y aunque no se obtiene un fondo claramente representado, si quedan totalmente patentes las sobras que las distintas personas proyectan.

La última de las imágenes de la exposición que voy a mostrar es la que formaba una U en el centro. Aparecen representados tres cuadros, los cuales representan los desastres de un terremoto. El cuadro central es el que ha sido elegido para formar  parte de la portada del folleto. El cual  se caracteriza por los colores vivos y muy orientales de Mou Huan.

Una obra que una vez más, vuelve a rozar la abstracción en algunos momentos, pero que no puede ser puramente abstracta por lo que representa, acercándose en algunos casos a la figuración. Hablamos de un conjunto de obras de una  pincelada suelta, con la que se nos hace aun más patente el dinamismo y vitalidad que impregnan las obras, siendo los grandes protagonistas de las mismas.

6 años para un graffiti...

Amsterdam guarda lugares con un encanto especial, a veces relacionados con una de las cosas más conocidas del país y mas criticadas por el resto de Europa, la legalización de la Marihuana. Esta foto es del graffiti que decora uno de los Coffe-Shops (lugares donde es posible la venta y el consumo de Cannabis), este graffiti tardó 6 años en realizarse y fue creado por Harold Thornton, un artista australiano. Tuve el placer de pasar varias veces por la puerta por estar muy cerca de mi hotel y cada vez me impresionaba mas, la fachada, totalmente psicodélica estaba repleta de escenas de temática reggae repletas de colores vivos.

¿Quién es Banksy?

Estoy bastante segura que al menos alguna de estas imágenes os sonará aunque no conozcáis su firma. 

Se trata de obras del “famoso y desconocido” (ya que oculta su identidad pero su obra es muy famosa) artista callejero Banksy. Probablemente este anonimato va ligado al tipo de creaciones, ya consideradas arte, que lleva a cabo. Las pintadas callejeras tienen su propia historia pues se le atribuye una a Jack el Destripador por allá 1888, pero es un movimiento que se ha ido desarrollando hasta ser considerado una manifestación artística en la actualidad, aunque aun haya controversia respecto el tema. No está exento de debates debido a la tradición de considerarlo vandalismo. Probablemente Banksy ha ayudado a que se produzca este cambio en la mentalidad o a contribuido a la consideración del grafitti como crítica social a la vez que arte, Street Art, o bien ha estado en el sitio concreto en el momento concreto. 

Comenzó en las calles de Bristol y ha ido extendiendo su arte por todo el mundo, buscando sitios estratégicos donde colocar sus provocativas, reivindicativas y problemáticas creaciones. 

Ha expuesto en diferentes galerías y museos (como el MOMA o el British Museum), trabajado para importantes firmas como Puma  y MTV, para Greenpeace (http://www.artrepublic.com/attachments/image/270/19270/19270.jpeg) e incluso ha realizado un polémico, como no, inicio para Los Simpsons (http://www.youtube.com/watch?v=sh1LhJzF3rE). 

Una de sus obras ha llegado a venderse por más de 200.000 libras en subasta (fuente: http://www.elpais.com/articulo/cultura/Banksy/precio/oro/elpepucul/20080114elpepucul_7/Tes). 

La excusa de hablar sobre Banksy como contenido obligatorio es ya que en su obra suele incluir, al igual que otros grafiteros ediciones o trabajos sobre obras de arte anteriores, históricamente bien consideradas como arte.

Su fama llegó a los Oscar el año pasado con la nominación a mejor largometraje documental de "Exit Through the Giftshop" en el que podemos ver unos cuantos de ejemplos de inspiración en la obra de arte.

En este largo, muy recomendable, el mismo Banksy (con la cara oculta y la voz distorsionada) nos cuenta la historia de Thierry Guetta mediante sus filmaciones. Obsesionado con filmar cada segundo de su vida este francés residente en Los Ángeles se topó con el street art. Se trata de un peculiar personaje que ser verá absorbido por los artistas de la noche y... dará a la historia un curioso vuelco que no quiero comentar para no influenciar un posible visionado. Solo mencionar que la carátula del último disco de Madonna es obra Therry, también conocido con el nombre de Mr. Brainwash (http://www.envasarte.com/wp-content/uploads/2011/02/brainwash-last.jpg) y que se ha dedicado casi exclusivamente a reeditar famosas obras de la historia del arte, especialmente del pop art, al estilo grafiti como estos de Warhol:

Lata de tomate de Campbell convertida en un bote de espray, referencia al grafiti cono arte.

Varios personajes famosos convertidos en la Marilyn de Warhol.

Esto también lo hizo también Banksy en obras como la Mona Lisa que he enseñado en la recopilación del principio pero con intención de denuncia social. Despertó mucha polémica cuando infiltró en grandes museos reediciones propias de cuadros expuestos en el museo:

La Olimpia de Manet de Banksy Crítica al concepto de mujer bella en la actualidad.

Manifestación en contra de la contaminación del aire colocada en museo al lado del original.

La Lata de tomate de Campbell  del Tesco, gran empresa que ha llenado el reino unido de supermercados. Crítica al monopolio de la marca y al capitalismo.

Lo de estos artistas y estas obras es un tema muy controvertido pero en el caso de Banksy se extiende más allá del gamberrismo ya que su obra se basa en una crítica socio-cultural de la actualidad. No voy a entrar mucho a comentar el tema ya que abarca casi todos los temas de la actualidad. Una de las imágenes que repite es la de la rata, que simboliza la humanidad como plaga amoral. También es frecuente el uso de imágenes de niños o elementos que puedan tocar nuestra fibra sensible para intentar concienciarnos sobre temas como el tercermundismo. Otra de sus características es la modificación, uso e incluso ridiculización de elementos tópicos, de iconos, como crítica: una escultura en la que vemos la típica cabina de teléfonos inglesa rota por la mitad con una piqueta atravesada. Un último rasgo a mencionar es que sus obras están ligadas al lugar, a la calle, el espacio de la pintura convive y juega con el espacio real o los grafitis preexistentes, como se ejemplifica en las imágenes del muro de Cisjordania, la limpiadora levantando la pared o las siguientes: 

En todo caso, os recomiendo que miréis la peli, os dejéis seducir por el street art y luego me contáis vuestra opinión sobre Therry... 

Y para finalizar, una cita: 

" La gente quiere hacer del mundo un lugar mejor; yo sólo quiero hacerlo un lugar más vistoso. Y si no te gusta, puedes pintar sobre él." 

(Web oficial de Banksy: http://www.banksy.co.uk/ )

Sobre lo Real

Rompiendo totalmente con la dulzura y serenidad de la entradas anteriores pero siguiendo con la fotografía, pretendo hablar del famoso fotógrafo y director David Lachapelle. Obsesionado con la fotografía desde su infancia, es considerado uno de los fotógrafos más importantes del mundo en la actualidad.

En su obra han participado muchas celebridades  (Uma Thurman, Madona, Katy Perry, Marylin Manson, Shakira, Leonardo di Caprio, Drew Barrymore, Elton John…) y forma parte de las portadas de populares revistas, como Rolling Stone o Interview  y de campañas publicitarias de importantes empresas como MTV, l’Oreal, Diesel Jeans, Ford, Sky Vodka. A demás de en publicidad, también ha trabajo como director en videoclips musicales, como Natural Blues de Moby o Rich girl de Gwen Stefani.

Es conocido por sus escenas surrealistas a la vez que relacionadas con el pop art y algo manieristas, de carácter rompedor, glamuroso, morboso, sensual, provocativo, de colores muy vivos e imágenes sorprendentes, figuras aglomeradas y mucho detalle.

Es recomendable este artículo titulado Surrealismo, Sabotaje de lo real y David Lachapello como relación del artista con la vanguardia: http://www.homines.com/arte_xx/surrealismo_sabotaje_realidad/index.htm

Su obra, a demás de estar muy relacionada con el mundo de la publicidad y con la vanguardia surrealista, tiene como influencia más o menos obvia obras artísticas históricas como las siguientes:

 

La ultima Cena, inspirada en La ultima Cena de Leonardo da Vinci.

Para su exposición Awakened  reinterpretó de forma contemporánea El diluvio de Miguel Ángel.

Aquí emula a Venus y Marte, de Boticelli.

 

También podemos encontrar relación entre esta provocativa lechera con La Lechera de Vermeer, que con una indumentaria del mismo estilo, decanta la leche de una forma casi sonora.

A demás suele recurrir a icónos católicos, como este retraro de Michael Jackson que nos lleva a las representaciones del arcángel San Miguel pisando al diablo, o  la pietá en este  otro retrato del cantante o este en el que vemos  Curtney Love como la virgen sosteniendo a su hijo muerto, Kurt Cobain convertido en Jesús, que me gusta especialmente.

Seguro que se pueden encontrar más relaciones artísticas o icónicas. Si teneis curiosidad aquí está la web de David Lachaplle en la que se muestra parte de su obra . http://www.lachapellestudio.com/  No tiene desperdicio.